Le linee grigie

Di paperi, storie e altre faccende

2011-11-19T09:55:00.001+01:00

D: Eccoci qui, immerso nella folla di Lucca insieme a Makkox, uno dei pezzi grossi del fumetto italiano, sulla cresta dell’onda già da un po’.

R: Addirittura.

D: Sì, è una di quelle frasi fatte che però...

R: No no, invece mi piace, in fondo io abito la rete e in effetti onda, riferito al web, è il termine giusto, perché è un movimento volatile. L’onda dura un attimo, quindi vivere sulla cresta dell’onda è come un monito.

D: Dura un attimo come molte delle cose che passano sul web.

R: Sì, il fatto è che il web si propone come memoria del tutto ma proprio perché gigantesco, la memoria del tutto perde valore. Ancora oggi quello che resta veramente è sulla carta mentre sul web… voglio dire, certa roba mia di tre anni fa per me è come se fosse distante trent’anni.

D: Eppure il tuo linguaggio è molto legato alla struttura del web – penso alle tue celebri vignette verticali, ad esempio.

R: Sì, quella è stata l’unica intuizione, se così possiamo chiamarla, di tutta la mia vita. Io sono sempre stato affascinato dal web. Sono sempre stato un frequentatore, però non avevo mai pubblicato niente, mi interessavo di programmazione. Ad un certo punto ho pensato che se volevo fare qualcosa sul web doveva essere qualcosa che fosse talmente adatto a quel mezzo da non poter essere riportato su carta, qualcosa dal quale non si potesse più tornare indietro senza perdersi. Così ho approfittato della cosa più naturale, e cioè lo scroll, che rappresenta il novanta per cento dei movimenti che l’utente fa quando naviga. Ecco, questa è una trovata di cui sono contento.

D: A questo punto non posso che chiederti “perché il fumetto?” Cosa ti piace del fumetto? In una delle tue strisce fai dire al tuo alter-ego che vuoi “far cantare il bianco della carta”. È questo uno dei motivi principali per cui sei diventato fumettista? E poi, come si fa a far cantare il bianco della carta su internet?

R: Allora, partiamo dalla prima, come sono diventato fumettista? Guarda, è una cosa che ti diranno tutti, e cioè che ci nasci così, nel senso che io ho sempre disegnato, ma anche scritto ed entrambe le cose mi hanno sempre dato soddisfazione. Quando avevo qualcosa da dire io me lo scrivevo, come in un diario, ma corredavo il tutto con disegni, disegni parlati e poi… ho continuato così, a coltivarmi così, senza riferirmi troppo ai fumetti, che infatti non conosco. Ho coltivato un mio modo di esprimermi. Io voglio che il disegno faccia parte della calligrafia. Quando scrivo non è che prima faccio una brutta copia a matita e poi ripasso ogni tratto, per far uscire tutte le “t” della stessa altezza. Cerco, perché è una ricerca, come fanno tutti i grandi maestri, di trasformare il disegno in calligrafia, con tutte le sue storture, gli errori e via dicendo. Alla fine diventa davvero tuo. Poi, ovviamente, bisogna contare su una base di disegno fortissima, sulla quale io posso confidare abbastanza perché mi ci sono rotto il culo davvero di brutto, fin da ragazzino.

D: Ma infatti tu non sei diventato famoso subito ma hai fatto, parole tue, tanto lavoro da insetto.

R: Sì, sì. Bisogna fare come le cicale, che stanno vent’anni sottoterra e poi ne campano uno fuori. Bisogna interiorizzare tanto della propria espressività, del proprio disegno, anzi, del proprio segno e poi quel disegno si fa struttura e tutto diventa più “facile”. Questa, però, è la mia esperienza, non è detto che sia uguale per tutti, anzi. Certo mi sarebbe piaciuto uscire prima, non a quarant’anni, ma non ho trovato interlocutori.

D: Il mio professore di storia dell’arte soleva ripetere che “l’artista matura in tarda età”, quindi, siccome la tua età non è tarda, direi che sei ancora in tempo. Detto questo, tu ti senti maturo?

R: Guarda, la definizione esatta non è maturo; mi sento abbastanza padrone del mezzo. Poi, maturità… no, non mi sento ancora pienamente maturo come artista.

D: Meno male, nel senso che puoi ancora migliorare.

R: Sento margini di miglioramento nelle cose che posso narrare, c’è ancora molto da dire.

D: E a proposito di narrazione, c’è un’altra cosa che vorrei chiederti: tu sei apprezzato per la tua satira, ma anche per le tue storie più introspettive, cosa che non si può dire di tanti autori. Cosa c’è, dunque, che unisce queste tuoi due approcci? Cos’è che la gente apprezza di Makkox?

R: Io penso sia il fatto che faccio satira in maniera un po’ diversa, nel senso che non riesco a fare la vignetta con la battuta secca; la mia satira è sempre molto dialogata e diventa quindi narrativa, c’è un lasso di tempo che passa, ci sono cose che succedono. Non è la fotografia del momento, è più una scena quella che io racchiudo in una vignetta, con i dialoghi a costituire l’elemento forte del mio raccontare. Penso, quindi, che il trait d’union sia lì.

D: Sempre restando in tema, tu una volta hai detto che la tua è una satira fatta di avanzi da cucina, perché, per caratterizzare i personaggi che tiri in ballo, i vari Berlusconi, Tremonti e via dicendo, tu, non conoscendoli, prendi ispirazione da persone che te li ricordano. Il personaggio di don Mimì (protagonista delle storie pubblicate sul Canemucco e opzionato per un progetto cinematografico dal titolo I pescecani, N. d. A.), nasce alla stessa maniera?

R: Assolutamente sì. Fa parte della mia esperienza di lavoro in una terra abbastanza borderline, con situazioni particolari. Chiamarla malavita organizzata non rende bene l’idea perché è una sorta di malavita storica, radicata, etnica. Io ho lavorato in una cava vicino a Casal di Principe, e lì ho conosciuto tutta una tipologia di persone, anche oneste, che però hanno fatto proprio quel modo di interagire fra di loro, per emulazione.

D: Ma tu, tramite il personaggio di don Mimì, volevi dire qualcosa o volevi semplicemente raccontare quella storia?

R: Allora, come spesso accade la spiegazione è molto più banale di quanto si pensi. Io non ho messaggi da lanciare, tutto nasce dalla mia passione per le serie. Penso che un italiano come me, nato e cresciuto in provincia, una buona serie la possa scrivere traendo spunto dal materiale che trova intorno a sé. Io non potrei fare accadere qualcosa in luoghi che non ho mai visitato.

D: Diversi scrittori infatti dicono che si debba scrivere solo di ciò che si conosce.

R: Vero. C’è anche da dire che io amo Salgari, che non è mai stato nei posti che ha descritto; io però non sono capace di fare altrettanto. Siccome la mia tensione è sempre alla narrativa alta, volevo che la mia narrazione fosse sempre pregna di vero. La mia, però, non è una storia di denuncia, ho anche ripulito un po’ il tutto, come fanno ne I Soprano’s, come fa Scorsese. Quelle sono storie di malavita… stilizzata, che riesce anche a essere divertente. Mi interessa una narrazione che vada al di sopra delle banalizzazioni in bianco e nero.

D: Domanda annosa: letteratura impegnata o popolare? Prima il messaggio o prima la storia?

R: Guarda, ‘sta cosa che ci debba sempre essere la morale di fondo a me risulta secondaria, come se fosse un effetto collaterale. Se è alla radice del tuo scrivere la motivazione dev’essere davvero forte, devastante. Pensa a certi scrittori che vengono da situazioni drammatiche, di conflitto, come in Medio Oriente, ad esempio. In loro il desiderio di denuncia è intimo, radicato. La storia però non è mai pretestuosa, c’è molto di autobiografico, i personaggi non sono figurine funzionali a denunciare qualcosa. Per me la narrativa alta è quella dove i personaggi sono tutto. Nessuno si ricorda la storia completa di Amleto, ma tutti sanno chi è. Stessa cosa per Il mercante di Venezia, o per Romeo e Giulietta, voglio dire, non è che Romeo e Giulietta inizia che si piacciono e alla fine crepano entrambi, in mezzo c’è tantissimo. Pochi conoscono la storia ma tutti conoscono Romeo e Giulietta.

D: Non è una questione di temi, insomma.

R: No no, non è una questione di temi, non è che la letteratura alta è quella che tratta della vita mentre la bassa è, che so, la fantascienza. Per me uno dei più grandi scrittori, che avrebbe meritato il Nobel e che so essere stato in lizza, è Stanislaw Lem, l’autore di Solaris, per intenderci. Non è solo un autore di fantascienza, è uno scrittore che sa trattare la materia umana come pochi. Il genere non fa la differenza. Un altro esempio è George Simenon, altro più volte candidato al Nobel.

D: Torniamo ai tuoi personaggi e a quello che peschi dalla realtà per caratterizzarli. Cosa metti di te? Quanto Marco c’è dietro il papero?

R: Tantissimo. Sai quale dovrebbe essere la domanda giusta? Dietro Paperino – perché il mio papero viene proprio da lì – quanto di me ho ritrovato? Io mi sono affezionato tantissimo a questo personaggio fin da piccolo, perché è irascibile come me, Paperino è incazzosissimo, mi ci sono riconosciuto.

D: Insomma, non sei un perfettino noioso come Topolino?

R: No, no, assolutamente. È la persona che Paperino credo dovrebbe detestare di più, tutto così, che non sbaglia mai.

D: Mi hai citato Lem, Simenon, Paperino, quindi, le tue fonti di ispirazione come…

R: Oh, allora, a questa ti devo rispondere bene. La mia fonte di ispirazione non è mai la scrittura degli altri. Quello è il nutrimento che viene macerato ed entra in me, è ciò di cui mi approprio. Quando trovi una soluzione espressiva efficace, la rubi e la fai tua, anche inconsciamente. Non è questione di copiare. L’ispirazione, però, viene sempre e solo dalla realtà. Chiaro che se leggo un buon noir viene voglia anche a me di scrivere un noir, però alla mia maniera.

D: È come un filtro di cui tu ti appropri per raccontare quello che vuoi tu.

R: Esatto. Io poi sono molto legato al noir, ce l’ho nell’anima. Penso che il noir sia una sorta di stilizzazione popolare della tragedia e io adoro la formula della tragedia: i personaggi sono complessi, l’umorismo è fortissimo e i finali non sono mai risolutori, netti.

D: È il richiamo realistico che ti piace. Non ti interessa scrivere la storiella edificante.

R: Assolutamente no.

D: Ti consideri ottimista?

R: Assolutamente sì. Se c’è una cosa in cui credo è quella cosa, quella scintilla ancora non ben spiegata che ci porta ad andare contro all’entropia, alla distruzione e a costruire.

D: Un po’ come il miracolo termodinamico del Dr. Manhattan?

R: Ma lo sai che ogni volta mi parlano del Dr. Manhattan e io non so chi cazzo sia? Cioè, lo so, ma non l’ho mai letto. Va be’, comunque, io sono amaro e sarcastico e tutto quello che vuoi, ma non cinico perché il cinico è senza speranza. Nelle cose che scrivo c’è sempre almeno un briciolo di positività, non so se chiamarlo vero e proprio ottimismo.

D: Cosa che si capisce anche dalla galleria di personaggi che popolano le tue vignette satiriche; per quanto siano discutibili e, alcuni, terribili, non sono mai dei mostri. È come se nel tuo sguardo ci fosse anche una sfumatura di simpatia.

R: Io sono convinto che chiunque sia dotato di parola, di parola articolata, di espressione, non può essere del tutto una merda. Le persone cattive sono quelle che non riescono a proferire verbo, sono quelli che strangolano le ragazzine. Io questa gente non la descrivo mai, gente come i Brusca, che vanno in galera per aver fatto delle cose animalesche. Se tu li senti parlare hanno un vocabolario di sei parole e non è che nella testa abbiano qualcosa di più. A me questi fanno veramente terrore. Berlusconi, Ghedini, tutti questi che disegno, non riesco a pensare che siano incarnazioni del male. Oddio, probabilmente me la racconto così per non avere più paura di quella che ho già. Io vivo molto rinchiuso, la realtà la filtro col computer perché la folla mi spaventa.

D: E il web non ti spaventa?

R: No. La possibilità di subire attacchi sul web, di essere sputtanato, la violazione della privacy e quant’altro, io la combatto con un’estrema trasparenza. A parte i comportamenti criminali, tipo quelli che ti fottono la carta di credito – m’è successo – io penso che gli antigeni ci siano nel sistema stesso. Sai cos’è? Una cosa che fa tanta paura del web sono le falsità che possono girare sul tuo conto; ecco, io questo non lo temo, perché penso che la propria storia parli per sé. Essere serenamente trasparenti aiuta a contrastare puttanate e maldicenze.

D: Cosa non da tutti, essere trasparente sul web. È troppo facile non esserlo.

R: Secondo me in futuro dovremo abituarci a convivere con un’immagine di noi stessi che non sia diversa da quella che viviamo fra le nostre quattro mura. Se Marrazzo avesse dichiarato fin dall’inizio i suoi gusti sessuali, sarebbe stato inattaccabile e non è detto che non sarebbe stato eletto. Prendi Vendola: se si fosse nascosto e fosse poi stato scoperto, si sarebbe esposto a degli attacchi devastanti. Invece lui è uscito allo scoperto subito, dimostrando che con la trasparenza si vince.

D: Anche in un paese come il nostro, noto per il contrasto fra vizi privati e le pubbliche virtù?

R: Sì. Un esempio è anche Berlusconi: lui è stato sgamato, però non ha mai negato e alla fine ha detto “ma che cazzo, lo fate pure voi, io sono fatto così”. Poi per carità, si aprono tutt’una serie di discorsi sui comportamenti che ti espongono a ricatti, sul fatto di essere una figura istituzionale, eccetera. Però la mossa in sé, di ammettere invece di arroccarsi in difesa, è stata molto intelligente. Se sei trasparente, sei inattaccabile. Penso sia una scelta obbligata per il futuro perché ormai, come te movi stai pittato. Se sei trasparente, la gente è più disposta a perdonarti quando fai la cazzata mentre la menzogna non paga. Quando tradisci non è solo il tradimento in sé a fare male, ma il fatto di aver mentito per tutto quel tempo, di aver fatto sentire un’altra persona una povera stronza.

D: Senti, un’ultima domanda, generica, e vediamo se anche qui sei ottimista: il fumetto in Italia. Come la vedi?

R: Mah, guarda, avessi la minima idea di come sta messo… Sicuramente ne vedo pochissimo in edicola e non ne vedo di buona qualità sul web, e questo mi spiace molto, perché è un errore gravissimo.

D: Forse perché il web in Italia non è ancora energico come in altri paesi?

R: Io ci vedo anche un altro freno, e cioè il fatto di mettere la propria roba gratis su internet. Ma che cazzo de gratis, non si capisce che così ci si può costruire una propria autorevolezza e che un domani quello diverrà moneta? Avere un tuo pubblico ti permette anche di riconoscerti. Tu attraverso la tua audience capisci chi sei. Io, ad esempio, pensavo di scrivere per un’elitè colta; poi alla fine ho quattromila amici su Facebook che leggono le mie cose e c’è gente che mi riconosce in fila al supermercato, gente che non ha mai letto fumetti, pecoreccia, che ascolta la peggio musica e che mi legge. Al che ho capito che io sono così. Non sarò mai Gipi. Non perché lo consideri un gradino sotto o sopra, semplicemente siamo diversi. Io sono estremamente pop. Questa consapevolezza mi ha aiutato anche a liberarmi: “ma io sono così. Buono”.

D: Ti piaci così?

R: Sì sì, adesso sì. All’inizio di meno, perché avrei voluto essere… capito? Volevo piacere all’intellighenzia. Sai cos’è? Quando vuoi essere approvato dai santoni, inizi a scrivere nel modo che pensi possa piacere a loro, finendo col diventare mimetico, assomigliando un po’ a questo, un po’ a quello. È devastante, perché nel tempo te ne libererai ma ci vorrà un giro lungo. Invece tu devi coltivare te stesso, dicendo un po’ ‘affanculo, quasi contro. Poi ti capita un giorno come per me con la satira, che per me è davvero un canale minore, che ti trovi il santone che ti mette la mano sulla spalla e ti dice “io ti leggo tutti i giorni. Tu sei forte”.

D: Chi era il santone?

R: Sergio Staino. Anche altri, ma Staino è stato lo spartiacque. Io l’ho sempre letto, mi piace perché ha sempre fatto cose nelle quali mi ritrovavo abbastanza perché erano narrative, quasi una specie di sit-com. È il discorso di prima, io nella vignetta con battuta secca non mi ci ritrovo. Non che non sia buona, non è nelle mie corde.

D: Pensi di restare legato al fumetto? A questo stile di fumetto?

R: Mi sento legato al disegno più scrittura. Anche nelle mie raccolte, la parte puramente scritta la curo tanto quanto quella disegnata, mi richiede la stessa fatica, lo stesso tempo, non è soltanto un modo per rilegare il tutto. Io sono lì, in una terra di nessuno in cui scrivere è tanto importante quanto disegnare per cui non è che io ho voglia di disegnare e quindi mi trovo un pretesto narrativo, cosa che vedo fare a tanti. Vedo tanti fumetti disegnati da dio, con delle storie sotto che se tu le prendessi dal punto di vista narrativo, tolti i disegni, non sarebbero degne di una prima prova d’esame alla scuola di scrittura più stronza che ci sia. E questo è male.

D: Che altro dire, Marco, grazie di tutto e in bocca al lupo.

R: Grazie a te.

Alla fine ci sono cascato anch'io: tre parole su Steve Jobs, le tifoserie e i bambini cinesi

2011-10-07T12:01:00.000+02:00

Non c'è niente da fare, la sindrome del tifoso è sempre più diffusa, sempre più virale. Oramai un evento non è tale se non si formano due schieramenti che si danno contro a priori, senza se e senza ma, aggrappandosi a ogni dettaglio pur di trovare difetti nelle argomentazioni dell'avversario. Che ci volete fare, a noialtri ci piace litigare. E ci piace sentirci parte di qualcosa. La sindrome del tifoso soddisfa entrambe le esigenze perchè ci consente di far parte di un gruppo e ci dà la possibilità di insultare chi ne è al di fuori. E' l'umanità, baby.

Quindi forse dobbiamo rassegnarci, tutta la nostra sbandierata razionalità va a farsi fottere allegramente se abbiamo la possibilità di vestire una divisa e attaccare il nemico (sebbene la suddetta razionalità possa venir poi invocata per sostenere le proprie argomentazioni).

Poco importa se, in tutto questo, si perdono le sfumature e si uniforma tutto, riducendo ogni dibattito a una gara a chi urla più forte o a chi, per sfinimento, ottiene l'ultima parola - che, specie in rete, equivale spesso ad averla vinta, chissà poi perchè - perdendo così di vista il senso stesso della discussione.

Che poi, se provi a dire che la verità spesso sta nel mezzo, ti danno del democristiano, e allora ti viene da ritirarti in un angolo a guaire perchè certe cose fanno male.

Prendiamo la morte di Steve Jobs.

Da una parte c'è chi lo esalta come uno dei massimi geni della storia, dall'altra chi sminuisce il suo operato limitandosi a descriverlo come un bieco capitalista.

O l'una o l'altra, senza mediazione. Santo o bastardo.

E se fosse che la verità sta nel mezzo?

(DEMOCRISTIANO!)

... ahi

Proviamoci.
Prima di tutto, Steve Jobs era un uomo, che è morto a 56 anni. Presto, troppo presto. Non ve ne frega niente? A me un pochino sì, nel senso che mi dispiace.

Detto questo, Steve Jobs è stato un grande innovatore. Ha fatto grandi cose, dimostrando coraggio e una visione a lungo termine fuori dal comune. La sua è stata una "favola" di successo che merita un posto nella storia al pari di tante altre, anche grazie al suo carisma, che l'ha portato ad essere quasi "divinizzato" dai suoi fan (discepoli?). C'è anche da dire, però, che la favola di Page e Brin non mi pare meno ricca di intraprendenza e inventiva, ma, non avendo loro lo stesso carisma, dubito che verranno ricordati nella stessa maniera. Questo nonostante l'impatto del loro lavoro, oggi come oggi, sia forse (forse, non sfoderate gli artigli) maggiore di quello di Jobs. Insomma, è stato un grande uomo, e su questo non si discute, ma non era un dio, né tantomeno uno dei massimi guru che la storia ricorda - lui stesso consigliava di non vivere seguendo i risultati del pensiero di altri.

Poi, e ciò è innegabile, è stato anche un capitalista, uno di quelli furbi. Ha saputo cavalcare il mercato al momento giusto, ha saputo giocare coi meccanismi del bisogno indotto creando aspettative spesso smodate, ha fatto sì che avere un Mac o un iQualcosa fosse cool, prima ancora che useful.

C'è poi la faccenda dei bambini cinesi sfruttati, e qui il terreno si fa scivoloso, perchè da un lato la battaglia contro i soprusi delle multinazionali è sacrosanta ma dall'altro non dobbiamo dimenticare che non esiste potere o innovazione che non generi anche della sofferenza. Non voglio giustificare nessuno, semplicemente constatare. E' l'umanità, baby. Non vi piace? Neanche a me, ma a questo punto, se volessimo davvero essere coerenti, dovremmo dire che Alessandro Magno non era un figo perché ha massacrato chissà quante persone in nome della sua visione; dovremmo disprezzare le opere artistiche del Rinascimento, essendo state spesso finanziate con soldi mica tanto puliti; dovremmo rinunciare a tutte quelle grandi scoperte scientifiche realizzate anche grazie ai finanziamenti militari.

E via dicendo.

Vi sentite sporchi? Lo siete. Lo siamo. E continueremo a scannarci su queste faccende, schierandoci aprioristicamente per una fazione o per l'altra, che si parli di Jobs, dell'Inter, del Signore Gesù, di Berlusconi, della cucina francese (che comunque quella italiana è meglio, e qui non ci sono cazzi). Perchè scannarci ci piace, ci fa sentire vivi.

Perchè, in fondo, siamo tutti troll.

Lasciami entrare

2011-10-04T15:55:00.001+02:00

C’è poco da girarci intorno: Let me in è uno dei migliori film sui vampiri. Ever. Almeno fino a quando non avrò visto anche l’originale di cui questo è il remake.

Matt Reeves, già regista di Cloverfield, dirige e racconta con bravura e sensibilità il legame che nasce fra due ragazzini di dodici anni le cui solitudini si incontrano e si avvicinano nonostante le inusuali abitudini alimentari di lei che, peraltro, ha dodici anni da parecchio tempo. Sì, esatto, i protagonisti sono due ragazzini ma di quelli che non suscitano fastidio sin dalla prima inquadratura. Anzi. Tanto di cappello ai due attori, Kodi Smit-McPhee col suo sguardo timoroso e i sorrisi da innamorato, e la dolcemente inquietante Chloe Moretz. La storia è appassionante e romantica, mai gratuita, e raggiunge punte di struggente e disturbante tenerezza con l’abbraccio fra i due protagonisti, dove lei è ancora lorda del sangue dell’ultima vittima. Un film da vedere per chiunque ami la figura del vampiro, inteso come predatore tormentato e pericoloso, e non come bamboccio bel tenebroso che certe disgustose rivisitazioni in chiave emo-Harmony ci hanno inflitto di recente.

Ah, in italiano l’hanno tradotto Blood story, ma lasciamo perdere che è meglio, va.

Post a rete unificata

2011-09-29T09:22:00.002+02:00

Parte da qui una bella e giusta iniziativa: invitare i blogger, chi frequenta e "abita" la rete a condividere, postare (anche su Facebook e Twitter), diffondere lo stesso post come segnale di protesta contro il comma 29, il cosiddetto ammazza-blog.

Qui si raccolgono tutte le adesioni, inserite l'url del vostro post.

ECCO IL TESTO DA DIFFONDERE:

Cosa prevede il comma 29 del ddl di riforma delle intercettazioni, sinteticamente definito comma ammazzablog?

Il comma 29 estende l’istituto della rettifica, previsto dalla legge sulla stampa, a tutti i “siti informatici, ivi compresi i giornali quotidiani e periodici diffusi per via telematica”, e quindi potenzialmente a tutta la rete, fermo restando la necessità di chiarire meglio cosa si deve intendere per “sito” in sede di attuazione.

Cosa è la rettifica?

La rettifica è un istituto previsto per i giornali e le televisione, introdotto al fine di difendere i cittadini dallo strapotere di questi media e bilanciare le posizioni in gioco, in quanto nell’ipotesi di pubblicazione di immagini o di notizie in qualche modo ritenute dai cittadini lesive della loro dignità o contrarie a verità, questi potrebbero avere non poche difficoltà nell’ottenere la “correzione” di quelle notizie. La rettifica, quindi, obbliga i responsabili dei giornali a pubblicare gratuitamente le correzioni dei soggetti che si ritengono lesi.

Quali sono i termini per la pubblicazione della rettifica, e quali le conseguenze in caso di non pubblicazione?

La norma prevede che la rettifica vada pubblicata entro due giorni dalla richiesta (non dalla ricezione), e la richiesta può essere inviata con qualsiasi mezzo, anche una semplice mail. La pubblicazione deve avvenire con “le stesse caratteristiche grafiche, la stessa metodologia di accesso al sito e la stessa visibilità della notizia cui si riferiscono”, ma ad essa non possono essere aggiunti commenti. Nel caso di mancata pubblicazione nei termini scatta una sanzione fino a 12.500 euro. Il gestore del sito non può giustificare la mancata pubblicazione sostenendo di essere stato in vacanza o lontano dal blog per più di due giorni, non sono infatti previste esimenti per la mancata pubblicazione, al massimo si potrà impugnare la multa dinanzi ad un giudice dovendo però dimostrare la sussistenza di una situazione sopravvenuta non imputabile al gestore del sito.

Se io scrivo sul mio blog “Tizio è un ladro”, sono soggetto a rettifica anche se ho documentato il fatto, ad esempio con una sentenza di condanna per furto?

La rettifica prevista per i siti informatici è quella della legge sulla stampa, per la quale sono soggetti a rettifica tutte le informazioni, atti, pensieri ed affermazioni ritenute dai soggetti citati nella notizia “lesivi della loro dignità o contrari a verità”. Ciò vuol dire che il giudizio sulla assoggettabilità delle informazioni alla rettifica è esclusivamente demandato alla persona citata nella notizia, è quindi un criterio puramente soggettivo, ed è del tutto indifferente alla veridicità o meno della notizia pubblicata.

Posso chiedere la rettifica per notizie pubblicate da un sito che ritengo palesemente false?

E’ possibile chiedere la rettifica solo per le notizie riguardanti la propria persona, non per fatti riguardanti altri.

Chi è il soggetto obbligato a pubblicare la rettifica?

La rettifica nasce in relazione alla stampa o ai telegiornali, per i quali esiste sempre un direttore responsabile. Per i siti informatici non esiste una figura canonizzata di responsabile, per cui allo stato non è dato sapere chi sarà il soggetto obbligato alla rettifica. Si può ipotizzare che l’obbligo sia a carico del gestore del blog, o più probabilmente che debba stabilirsi caso per caso.

Sono soggetti a rettifica anche i commenti?

Un commento non è tecnicamente un sito informatico, inoltre il commento è opera di un terzo rispetto all’estensore della notizia, per cui sorgerebbe anche il problema della possibilità di comunicare col commentatore. A meno di non voler assoggettare il gestore del sito ad una responsabilità oggettiva relativamente a scritti altrui, probabilmente il commento (e contenuti similari) non dovrebbe essere soggetto a rettifica.

QUI l'articolo completo

@valigia blu - riproduzione consigliata

Pirati e bambini nel bel mezzo di Roma

2011-09-26T14:38:00.001+02:00

Intendiamoci, il Pan di Dimitri è un romanzo nerd, di quelli pieni di riferimenti esoterici, dove si citano giochi di ruolo e miti di Cthulu, e dove i buoni leggono fumetti, imparano a far magie e si accoppiano con fate iperfighe. Per questo ci piace. Ci piace anche perché è fatto bene: l’intreccio è ben costruito e avvincente, i personaggi ben caratterizzati, il ritmo non cala nei passaggi da una sottotrama all’altra, e i dialoghi sono scorrevoli e credibili. Come spesso accade, c’è il rischio di ritrovarsi a simpatizzare per il cattivo, specie quando il presunto buono è un essere arrapato e violento, incapace di riflettere per più di tre secondi, con un seguito di bambocci, fricchettoni, sognatori (ah, i sognatori) e black bloc, e un’idea di libertà che, in realtà, non è molto meno tirannica di quella del suo avversario. Alla fine, però, ognuno ha ciò che merita. Vinca il male minore, insomma. In generale, Pan ci piace perché è una storia avventurosa con più livelli di lettura e un’idea di base tutt’altro che banale. D’accordo, non mancano difetti stilistici sui quali, a parte l’eccessivo e fastidioso uso delle parentesi, si può però soprassedere e godersi tutto il resto.

Consigliata la versione in ebook.

Lo Spielberg d’Oriente colpisce ancora.

2011-09-20T11:33:00.001+02:00

È palese che per Tsui Hark la coerenza di una trama e la sua spettacolarità siano destinate a una convivenza poco pacifica. Siccome lui si gasa parecchio per la seconda, va da sé che si fa pochi problemi a sacrificare la prima, se necessario. Il che ci può stare per certi film, ma se vuoi raccontare una storia investigativa allora io do peso ai dettagli, e se quei dettagli sono confusi e non sempre curati allora ci sta che mi venga da storcere il naso. Sull’ambientazione di Detective Dee niente da dire se non “bravo”: questa Antica Cina molto wuxia e con spruzzate di fantasy funziona, e pure i personaggi sono interessanti. A metà film, però, fra calci, pugni e robe strane non si capisce più tanto bene chi sta con chi e chi ce l’ha con chi e via dicendo. Forse che Tsui Hark vuole farci capire che la faccenda è incasinata? O magari era troppo preso dall’ennesima piroetta con fendente laterale multiplo per dedicarsi a quisquilie come la narrazione? Nel finale, Dee sventa il piano del cattivone, che però riesce lo stesso solo per permettere a Dee di sventarlo di nuovo con un eroico intervento sul filo del rasoio, per poi propinarci il discorsone ispirato finale, dal che capiamo che la morale del film è la brutta copia di questo.

Alla fine si resta con la sensazione che qualche acrobazia di meno e qualche sforzo in più a livello di trama avrebbero evitato a Detective Dee di fermarsi alla categoria “carino, però…”

Non per far di tutta la merda un fascio, ma...

2011-09-19T11:25:00.002+02:00

Dice che quelli di sinistra sono presuntuosi che si credono superiori, sempre pronti a fare i professorini con il mignolino alzato, con i loro maglioncini di cachemire e le loro pipe in radica, sempre a dare lezioni di morale e via dicendo.

Dice che a sinistra rubano come a destra (e qui si potrebbe aprire una lunga parentesi sul numero degli inquisiti, sull’entità delle mazzette e, soprattutto, sulle diverse reazioni che di là e di qua si hanno una volta colti con le mani nella marmellata. Ma siccome è lunedì, facciamo che rimandiamo), che han poco da insegnare, che almeno Silvio è schietto e non si nasconde, che è buono e aiuta le persone, che è un perseguitato, che non c'è niente di male a svagarsi un po' e basta che poi rimetto la colazione.

Per carità, presunzione e arroganza non mancano dalle nostre parti, e la convinzione che gli elettori di Silvio o siano beoti o amino parcheggiare in doppia fila è, purtroppo, parecchio diffusa. Sono il primo a non sopportare chi pensa di avere la verità in tasca e si comporta di conseguenza.

Poi però si sentono robe del genere e di colpo mi ricordo che, sì, sono superiore e non solo non mi vergogno di ammetterlo, ma me ne bullo pure.

Piccoli mutanti crescono

2011-09-02T09:04:00.001+02:00

Per dio se va veloce, X-men – First class. Corre a perdifiato, ansioso di arrivare al dunque e la fretta, si sa, non sempre aiuta nel creare la giusta tensione narrativa. Di contro, va detto che il film intrattiene e diverte senza annoiare, e l’idea di ambientare il tutto durante la crisi dei missili di Cuba non è male. Se poi si guarda agli attori, non ci si può che complimentare per la scelta di Michael Fassbender per il ruolo del giovane e incazzato Erik Lensherr, indiscusso protagonista del film. A tenergli testa, nei panni di Charles Xavier, un James McAvoy un po’ troppo frivolo ma tutto sommato convincente e un Kevin Bacon preso bene dal suo ruolo di villain. Ah, c’è pure una divertente comparsata di Hugh Jackman.

Ovviamente gli autori si sono presi alcune libertà rispetto ai personaggi originali ma, come sempre, lamentarsi della non perfetta corrispondenza fra film e fumetto è poco più di una perdita di tempo. Quel che conta è che alla fine, benché lontano dalla prima trilogia dedicata ai mutanti, X-men – First class sia comunque un discreto film, di certo superiore al suo discutibile predecessore.

Si parla di draghi, ma a danzare sono gli uomini

2011-08-29T11:35:00.003+02:00

Vi aspettavate che in A dance with dragons si risolvessero un po’ di sotto-trame? E invece no! Anzi, Martin butta nella mischia un nuovo pretendente al trono, ritarda incontri molto attesi, fa indugiare personaggi, semina nuovi dubbi e rispolvera vecchie conoscenze. E siccome ogni storia vera è anche fatta di tempi morti, dubbi e tentennamenti, Martin sceglie di raccontarci pure questi.

È un bene o un male? Questione di gusti. Quel che è certo è che la capacità di Martin di entrare sotto la pelle dei personaggi, mettendone a nudo desideri, debolezze e fragilità, è magistrale. Più empatia che epica, insomma; una scelta tanto ambiziosa quanto difficile poiché il rischio di deragliare – perdendosi in troppe divagazioni, colpi di scena e via dicendo – è altissimo. La ricompensa però può essere grande, poiché è chiaro che The song of ice and fire ha ormai travalicato i confini della classica saga fantasy: con tutto il suo parlare di draghi e profezie, Martin ci sta in realtà raccontando l’uomo. E, per dio, lo fa splendidamente.

E questo è solo l’inizio

2011-06-21T18:49:00.003+02:00

Il primo giro di giostra è finito e in tanti non vorrebbero scendere, ancora carichi di adrenalina. Solida e drammatica introduzione alle trame e alle atmosfere del mondo creato da Martin, sporco e brutale come il Medioevo cui è ispirato, questa prima stagione di Game of Thrones si è chiusa con un intenso crescendo, culminante in una delle scene più attese dai fan. Un’attesa non delusa, che non fa che confermare l’alto livello della produzione targata HBO. Tolti i pochissimi elementi magici, simbolicamente antitetici – i White Walkers venuti dal freddo in apertura e i draghi nati dal fuoco nel finale – rimane il crudo realismo di una saga nella quale neanche il più classico dei protagonisti è al sicuro. Strepitoso il cast, con Peter Dinklage e Michelle Fairley una spanna sopra tutti senza però scordarsi di Sean Bean e Maise Williams, e di notevoli seconde file del calibro di Iain Glein e Jerome Flynn.

Continuare su questo livello non sarà semplice, soprattutto a causa delle spese destinate a crescere – i draghi, i meta-lupi che crescono, le battaglie – ma l’ottimo lavoro fatto finora lascia ben sperare.

VERSIONE APPROFONDITA (ATLANTIDEZINE)

Quando la leggerezza si inceppa

2011-06-02T10:32:00.003+02:00

Lascia l’amaro in bocca questa raccolta di racconti di Schmitt. Ci si chiede dove sia finita quella grande capacità – di cui l’autore francese aveva dato ampia prova in altre occasioni – di rovistare a fondo nell’animo dei propri personaggi fino a portare a galla la complessità, e al tempo stesso la semplicità, dei loro sentimenti.

La scrittura di Schmitt è pulita e scorrevole, d’accordo, e alcuni racconti sono interessanti.”Carini”, verrebbe da dire. È sullo stile, però, che casca l’asino. Invece di far trasparire gli stati d’animo dei personaggi attraverso quei dialoghi serrati e intensi che sa scrivere, l’autore francese decide di spiegare per filo e per segno cosa avviene nella loro testa. Il tono si fa didascalico, troppo esplicito e per niente allusivo, e le situazioni diventano prevedibili, a volte fastidiosamente caricaturali. Stupisce poi che proprio il racconto che dà il titolo al libro, e che nasce dal film che l’autore ha diretto, sia il più banale di tutti.

Un libro leggibile, insomma, senza aspettarsi troppo, per poi dimenticarlo in fretta.

Viaggio nel cuore del petrolio

2011-04-09T17:59:00.003+02:00

Martin Klein viene spedito dall’Ente nel cuore dell’Africa per occuparsi di alcuni pozzi petroliferi, in una zona resa pericolosa dalla presenza di banditi e ribelli, viene rapito e sulle sue tracce viene mandato un “esperto” che dovrà risalire un fiume cupo e antico in cerca di un uomo addentratosi troppo a fondo nel famigerato cuore di tenebra. Il capolavoro di Conrad, di cui Delta blues è una cover dichiarata, incedeva lento e volutamente pesante nel descrivere la decomposizione dell’ordine di una società che andava a confrontarsi con il proprio lato oscuro; il nuovo romanzo dei Kai Zen, al contrario, va troppo di fretta, senza dare il tempo di respirare appieno la cupa atmosfera della vicenda. Passate le prime cento pagine, il libro si fa più solido e interessante: il ritmo rallenta, tranne alcune lampi di violenza ben descritti, fino ad arrivare a un finale che non può non essere crudo, ma che concede spazio a un ottimismo credibile e non ingenuo.

Nonostante i difetti – una certa incostanza narrativa e uno stile pulito ma anche a rischio monotonia – Delta blues riesce ad essere una discreta lettura, ben documentata e in grado di denunciare senza scivolare in facilonerie fanatiche e toni apocalittici.

VERSIONE APPROFONDITA (ATLANTIDEZINE)

Sucker Punch... sucks

2011-03-29T21:16:00.005+02:00

Volete godervi Sucker Punch? Allora fate così: andate al cinema, gustatevi l’ottima intro e attendete il primo scontro: Baby Doll vs tre enormi samurai – uno dei quali armato con un Vulcan. No dico, un Vulcan – sulle note di questa canzone. Godete forte, dopodiché alzatevi e andatevene; il film non avrà altro da offrirvi. E lo dico con la tristezza nel cuore perché di ambizioni Sucker Punch ne aveva parecchie: una storia lineare su cui si innesta un mix di immagini e suggestioni pescate da generi diversi, in stile Kill Bill, con in più un gioco di “sogno dentro al sogno” che ricorda un po’ Inception. Tarantino e Nolan, però, sono lontani eoni. Snyder aveva sempre lavorato con sceneggiature non sue, e gli converrebbe continuare su quella strada: ogni volta che uno qualsiasi dei personaggi apre bocca, sentirete in sala l’inconfondibile rumore di un paio di testicoli che si schiantano al suolo. Riuscire a rendere noioso un film in cui fiche in gonnella si pestano con samurai, orchi, draghi, nazi e robot, con una martellante colonna sonora, e una bella idea di fondo, era impresa difficile. Zack Snyder c’è riuscito, buttando dentro di tutto ma senza amalgamare e, soprattutto, prendendosi troppo sul serio.

Ah, dimenticavo, questo film ha anche una morale.

Rimandato a settembre, Zack.

L’assassino riluttante

2011-03-15T19:56:00.003+01:00

C’è il ragazzo vincolato a un destino più grande di lui; c’è il burbero e fedele soldato; ci sono il vecchio re, il giovane e coraggioso principe, e il di lui viscido fratello; c’è il giullare che profetizza; c’è la magia buona e quella eretica, le leggende col loro carico di verità, le profezie che poi alla fine ci azzeccano e la temibile minaccia contro cui sembra non esserci speranza. La solita zuppa, direte voi.

E invece no, perché ai fornelli c’è Robin Hobb, una che il mestiere lo conosce. Non vi stupirà con trovate eclettiche, sapori esotici o uno stile estroso; al contrario, vi conquisterà con la semplicità della sua ricetta, tenendovi inchiodati al piatto, cucchiaio dopo cucchiaio, senza alcuna fretta.

Ne L’apprendista assassino la Hobb apparecchia la tavola presentandoci i diversi personaggi e i conflitti nei quali vengono coinvolti. Nonostante un finale un po’ frettoloso il libro riesce nel suo intento: catturare l’attenzione del lettore, trascinandolo nel medioevo low-fantasy dei Sei Ducati e nella testa tormentata del protagonista Fitz, figlio bastardo di un erede al trono e, suo malgrado, apprendista assassino. L’assassino di corte, il migliore della trilogia, non solo ci mostra il dispiegarsi di tutti i conflitti, ma introduce anche quel gran personaggio che è Occhi-di-notte, e si conclude con un fondamentale e drammatico snodo di trama, splendidamente raccontato. Il viaggio dell’assassino, infine, è il massiccio resoconto dell’ultima sfida di Fitz: un classicone del fantasy, il viaggio in terre ignote in cerca della soluzione del problema. Nella seconda metà del libro si va un po’ per le lunghe ma ciò non impedisce alla tensione di restare alta e al finale di essere convincente e credibile.

Nel complesso, quella dei Lungavista è una solida trilogia con toni da romanzo di formazione, i cui punti forti sono l’intreccio delle relazioni fra i diversi personaggi, sufficientemente drammatico da tenere in movimento la trama ma mai troppo forzato da risultare poco plausibile, e la scelta di soffermarsi anche su quelle azioni e situazioni non sempre funzionali alla storia ma indubbiamente efficaci nel renderla più ricca e verosimile, e pazienza se ciò significa doversi leggere parecchie pagine in più. Una volta terminata la lettura, anche di quelle sentirete la mancanza.

Machete don’t text. Machete improvises

2011-02-17T01:11:00.004+01:00

Tolta l’eccezione Sin City, nel cui soggetto peraltro non c’era nulla di suo, da queste parti Rodriguez non è mai stato apprezzato come autore. Poi però un giorno ha messo un finto trailer in uno dei suoi filmacci e da lì, per nostra fortuna, è nato Machete. In sostanza l’idea del film è questa: si prende come protagonista Danny Trejo, un messicano fatto di capelli e corteccia, e gli si dà un buon motivo per vendicarsi di uno Steven Seagal talmente sovrappeso che nel duello finale ha il fiatone dopo ogni fendente. Per rendere più intrigante la cosa si aggiungono un po’ dei soliti cattivi idioti, più De Niro e Don Johnson – dico, Don Johnson – che si divertono a fare i viscidi bastardi. Poi, siccome il tutto non è ancora abbastanza virile, si butta dentro pure una sventolata di fighe mica da ridere: Lindsay Lohan, che più o meno interpreta sé stessa nella realtà, Jessica Alba che neanche qui riesce a recitare decentemente ma chissenefrega, e Michelle Rodriguez, che regna senza bisogno di spiegare perché. Il tutto in un delirante crescendo di gratuita e assurda terronaggine, che alla fine sei contento perché era proprio quello che volevi.

Quando il cattivo con la pistola incontra la bionda con la pistola...

2011-02-08T23:33:00.003+01:00

Ma chissenefrega della trita e ritrita storia di vendetta personale e della rivedibile e prevedibile sceneggiatura: The quick and the dead è un carrozzone stupido e fracassone, ma con un grande pregio: è divertente. L’importante è sapere che c’è un gran cattivone, che poi è Gene Hackman che interpreta Gene Hackman che interpreta il villain di turno, che morirà solo dopo che tutta una serie di biechi e grotteschi banditi l’avrà preceduto. Poi c’è Di Caprio che fa lo sbruffone, Crowe che fa l’ex criminale convertito che non vorrebbe più uccidere però insomma quando ci vuole ci vuole e, invece del solito pistolero senza nome, qui abbiamo Sharon Stone. Intendiamoci, Sharon è lì solo in quanto figa imbarazzante e quando prova a recitare viene da ringraziare gli dei che il suo sia un personaggio di poche parole, però nel complesso ci sta. In soldoni il film di Raimi, più che un western è la caricatura di un western, ma in fondo il buon vecchio Sam ci piace proprio perché è un guascone che non si piglia troppo sul serio e sa come intrattenere.

Bah...

2011-01-30T18:25:00.003+01:00

Il sesso ai tempi dell’happy hour. Con un sottotitolo così è chiaro che l’opera prima della blogger Nadiolinda vorrebbe essere una sorta di indagine sociologica semi-seria sui gusti sessuali dei trentenni del giorno d’oggi. Il culo femminile con sopra un bicchiere da cocktail in copertina sembrerebbe confermare questa ipotesi. Fin dalle prime pagine però, si capisce di cosa voglia veramente parlare l’autrice: di sé stessa. Il libro non è altro che un resoconto delle sue avventure erotiche, intriso di esibizionismo. Il culo dell’autrice in copertina non fa che confermare questa ipotesi. Nadiolina scrive in tono colloquiale e senza usare le maiuscole; le piace fare quella che parla senza peli sulla lingua, che fustiga i maschi e pure certe categorie di femmine, che sa essere spiritosa ma anche pronta a tirar fuori riflessioni profonde. In realtà spesso si perde in luoghi comuni e battute troppo tirate per essere davvero spiritose. Magari tutto ciò può funzionare su un blog, ma su carta scorre via come acqua fresca, senza lasciare il segno.

La velocità ha tre dimensioni, proprio come la vita. O il vento

2011-01-18T10:48:00.002+01:00

Sono la trentaquattresima Orda. Sono partiti anni fa dall’Estrema Valle, diretti alla mitica Estrema Vetta, che nessun’altra Orda ha mai raggiunto. Ad ostacolarli, il vento implacabile che da sempre flagella il mondo. Ogni membro dell’Orda ha il suo ruolo, la sua storia e le sue emozioni, che Damasio ci racconta attraverso i loro stessi punti di vista, senza alcun filtro da narratore onnisciente, preferendo coinvolgere piuttosto che spiegare; non vuole descrivere la storia, vuole farla sentire. E ci riesce, per dio se ci riesce. Grazie al suo stile eccentrico e sperimentale, Damasio crea un tessuto di parole denso che dà corpo tanto alle sensazioni dei protagonisti quanto al vento nelle quali esse sono immerse, e che finisce col rapirti e catapultarti lì, in mezzo a loro, ad affrontare enigmi, angosce, amori e pericoli. Ok, a volte l’autore francese calca un po’ la mano con tecnicismi e filosofeggiamenti, ma ciò non impedisce a L’Orda del vento di essere un grande libro, che combina epica, romanzo di formazione e avventura low-fantasy in un mix narrativo e simbolico che nulla ha da invidiare alla letteratura cosiddetta “alta”.

Chi l’avrebbe mai detto, una persona così perbene...

2011-01-08T12:17:00.003+01:00

Fintanto che il Male ci fissa coi suoi occhi iniettati di sangue e la sua bocca sbavante rabbia, allora non c’è problema. O meglio, c’è, ma lo sappiamo identificare, lo riconosciamo, possiamo isolarlo e combatterlo. Che fare, invece, quando il Male ha il viso rassicurante di Lou Ford, vicesceriffo di una piccola città del Texas? Lou è tranquillo, forse a volte un po’ noioso ma di certo è un brav’uomo, di quelli che sanno ascoltare e che hanno interessi per i problemi degli altri. Peccato solo che nella sua testa ci sia qualcosa che non va, un qualcosa che affonda le sue radici nel passato, un qualcosa che ha a che fare con la violenza e con le donne.

Lo stile di Thompson è asciutto e raffinato, ma ciò non basterebbe a rendere The killer inside me il grande libro che è; il suo merito sta nel mostrarci Lou per quello che è: un essere umano, per quanto disturbato. Thompson sceglie di farci raccontare tutta la dannata vicenda proprio da Lou, pienamente consapevole di quella sua ‘malattia’ che ora, dopo quindici anni, potrebbe tornare ad affliggerlo, rendendoci partecipi dei suoi pensieri, della sua emotività dissociata, delle sue paranoie, della logica spietata eppure terribilmente coerente che sta dietro a ogni sua azione.

VERSIONE APPROFONDITA (AtlantideZine)

Vieni via con me

2010-11-30T16:28:00.006+01:00

Dice che Saviano è noioso, è prolisso, che cita quello senza però citare quell'altro.

Dice che Fazio è sempre il solito Fazio, che non morde, che è un subdolo buonista.

Dice che non c'era contradditorio*.

Dice che è il solito programma da sinistri che si credono i migliori, che fanno i professoroni arroganti, che parlano di cultura ascoltando De Andrè e Conte.

Dice che fanno i deboli con Maroni e i duri con quelli che non ci piace l'eutanasia.

Dice che la Rai è di tutti.

Dice che era un programma banale, retorico, fazioso, da sbadigli eccetera.

...

E allora fatelo voi il 40% di share senza tette e cronaca.

* scriverò alla Rai chiedendo il contradditorio anche per gli editoriali di Minzolini e per l'Angelus del papa.

Impressioni dalla Steamland

2010-11-30T13:18:00.002+01:00

Direttamente da Lucca, la mia intervista a Francesco Dimitri, su AtlantideZine.

The social network? Mi piace

2010-11-21T17:10:00.005+01:00

Quella che Fincher ci racconta in The social network è una lotta di classe, condotta, però, non da un rivoluzionario idealista, ma da un escluso invidioso e geniale. La vera e propria rivincita del nerd. Facebook rimane sullo sfondo mentre ad emergere sono le storie di giovani ambiziosi, cresciuti in un ambiente sì meritocratico, ma anche intriso di sfrenato arrivismo. The social network, in fondo, è una storia sul potere nonché una perfetta fotografia dei tempi moderni.

Bene, questo è il 'cosa', parliamo ora del 'come' Quel che abbiamo è una regia solida e incalzante, accompagnata da una sceneggiatura spumeggiante. Ok, e gli attori? Ottimi perché credibili e sfaccettati, mai caricaturali, a partire dall’impeccabile Jesse Eisenberg fino a un Justin Timberlake perfettamente in parte. Vogliamo parlare del montaggio? Forse che non bastano la fluida gestione dei continui salti cronologici o la sequenza della gara di canottaggio a convincere i soliti snob dai gusti difficili? E per chiudere in bellezza... la colonna sonora. C’è Trent Reznor, ed è in forma. Serve altro?

Andate al cinema, và.

Le imprevedibili e brutali traiettorie del caso

2010-11-16T09:33:00.003+01:00

Cella 211 inizia a bomba e non perde un colpo fino alla fine. Pochi minuti ed ecco che Juan, in procinto di diventare agente carcerario, si ritrova ferito e isolato nel bel mezzo della rivolta guidata dal carismatico detenuto Malamadre. Una rivolta apparentemente folle se non fosse che i ribelli dispongono di ostaggi eccellenti: tre membri dell’ETA, alla cui salute il governo tiene particolarmente. C’è da dire che, sebbene la violenza di Utrilla sia più che credibile, a volte la ricerca di empatia nei confronti dei detenuti rischia di farci dimenticare che non si tratta proprio di stinchi di santo. In fondo, però, è anche inutile cercare della denuncia sociale in questo film poiché ciò che conta è l’intreccio di relazioni e tensioni dentro e fuori dalla prigione; un cornice nella quale il binomio criminale-umano/poliziotto-bastardo diventa l’innesco del dramma personale del protagonista. Daniel Monzón ha talento narrativo, uno stile diretto e spedito ed è supportato da una gran coppia di attori: bravissimo Luis Tosar nel dar forma alla selvaggia umanità di Malamadre, convincente Alberto Amman nel caratterizzare la discesa all’inferno di Juan.

Corso sperimentale di dittatura applicata

2010-11-11T17:02:00.003+01:00

Per mostrare ai propri studenti quanto facilmente possa insorgere una dittatura, un insegnante dai metodi alternativi trasforma la propria classe liceale in una piccola autocrazia, con tanto di simbolo, divisa e saluto. Peccato che l’esperimento riesca fin troppo bene. Seguendo le vite del professore e dei giovani alunni si assiste infatti al lento e inebriante montare dell’onda, come un unico organismo in camicia bianca, via via sempre più saldo al proprio interno e insofferente verso chi non ne fa parte o, peggio ancora, lo contrasta. Il tutto fino all’ovvia tragedia.

Grande pregio de L’onda sta nel riuscire a descrivere i meccanismi che portano all’instaurarsi di una dittatura sfruttando una narrazione sobria e lineare, che non svacca in pistolotti retorici o ipercerebrali. Film riuscito e interessante, peccato solo che non sempre l’impatto emotivo sia all’altezza di quello concettuale: la deriva autocratica spaventa più a livello di testa che di pancia.

Il dio cafone che posta su Facebook

2010-11-01T16:53:00.005+01:00

Dopo la brusca interruzione della quarta stagione, il ragazzo prodigio John Doe ritorna. Lo fa con una serie al tempo stesso nuova e vecchia, con un nuovo copertinista, cui spetta il difficile compito di non far rimpiangere Massimo Carnevale, e con l’ormai rodata coppia Bartoli/Recchioni a tenere le redini del progetto. Lo stop forzato diventa uno spunto meta-narrativo per dare il via alla nuova trafila di problemi di JD, dio ateo dall’impagabile faccia da schiaffi che deve imparare a credere in sé stesso. Ai due autori piace rischiare e ogni tanto la fanno fuori dal vaso, ma questo primo numero è spumeggiante, grazie a un bel mix di dialoghi da commedia brillante, trovate geniali – Bob, Bill e Chewie sono meravigliosi – e filosofia pop.

Se l’obiettivo era “non rifare sé stessi senza rinunciare a sé stessi”, allora quest’inizio è più che promettente.

Una bara, una buona idea e sessanta minuti di troppo

2010-10-22T10:09:00.004+02:00

Prendi un attore, lo chiudi in un bara con un telefono mezzo scarico, uno zippo, una matita e poco altro e non lo fai mai uscire. Che Rodrigo Cortés sia bravo a destreggiarsi in uno spazio fisico e cinematografico così angusto è fuori discussione; lo stesso si può dire di Ryan Reynolds, vista la sua buona prova recitativa. Certe attese al telefono sono crudeli e la freddezza del datore di lavoro del protagonista è agghiacciante. Un soggetto perfetto per un corto, insomma. Invece Buried dura novanta minuti e dopo un po’ il gioco mostra i suoi limiti: i tanto strombazzati colpi di scena finiscono per diventare gratuiti – più simili a pizzicotti per tener viva l’attenzione che a spunti per creare un vero e proprio climax di tensione – mentre l’umorismo nero non sempre va a segno e il finale... mah.

Quindi, gente, prima di parlare di “capolavoro”, di “genialità”, di “feroce critica alla guerra” e di tirar di mezzo Hitchcock, vediamo di prendere un bel respiro e di pensarci su.

Philosopy for dummies

2010-10-19T10:00:00.004+02:00

L'efficacia con cui Ben Duprè introduce, in 50 grandi idee di filosofia, alcuni dei più interessanti e attuali temi del pensiero umano, può portare a due conclusioni: o lui è decisamente bravo nel semplificare certi concetti rendendoli accessibili anche a chi non mastica Kant o Aristotele quotidianamente; oppure la filosofia può anche essere spiegata senza contorte acrobazie verbali e paroloni in tedesco.

Certi accademici potrebbero storcere il naso di fronte a certe semplificazioni o a certi riferimenti alla cultura popolare (Matrix, Narnia, 2001 odissea nello spazio), ma l'autore non corre mai il rischio della superficialità e, sebbene la lettura di questo libro non autorizzi ad atteggiarsi a esperti e meditabondi filosofi, non mancano gli stimoli per interessanti riflessioni né spunti per approfondire i temi trattati.

Con gli anni, ho invece imparato che i mezzi cambiano il fine

2010-10-17T12:32:00.003+02:00

Chiunque abbia letto e apprezzato Q non potrà non emozionarsi nel vederne ricomparire l’irrequieto e ribelle protagonista. Un ritorno che avviene dopo un centinaio di pagine in Altai, nuovo romanzo storico del collettivo Wu Ming, ambientato fra Venezia e Costantinopoli 15 anni dopo il precedente. Mancano certi didascalici elenchi di nomi e luoghi che indebolivano la prima parte di Q, come pure certi flashback e flashforward talvolta confusionari; Altai ha una struttura più lineare e pulita senza per questo rinunciare a un intreccio coinvolgente e alla forza della rievocazione storica – ottimi i dialoghi in lingue e dialetti diversi. Manuel Cardoso, agente segreto della Serenissima e giudeo in lotta con le proprie origini, non ha lo stesso carisma del ‘viaggiatore del mondo’, cui viene affidata la riflessione centrale del libro, ma gli autori riescono comunque, tramite lui, a raccontare con efficacia uno dei tanti capitoli della continua fuga del popolo ebraico. Soprattutto, non si accontentano di confinare la Storia a pura e semplice ambientazione, ma le conferiscono un ruolo di primo piano.

Christopher e Leo nel paese dei sogni

2010-10-12T15:28:00.003+02:00

A Nolan piace complicare le cose. Gli piace partire da trame lineari e poi giocare con la struttura narrativa, magari svolgendola al contrario oppure illudendo lo spettatore. In Inception ci racconta una storia di spionaggio “onirico” frazionata in più livelli: un sogno dentro a un sogno che a sua volta è contenuto in un altro sogno. Più ingranaggi narrativi sfasati eppure sincronizzati che il regista gestisce con maestria e grande talento “artigianale”, col supporto di un ottimo cast. Il problema, però, è che quando si butta tanta carne al fuoco il rischio di incappare in qualche incongruenza aumenta esponenzialmente e in effetti, arrivati alla fine del film, si rimane con certi dubbi sulla logicità di certe situazioni. Dettagli trascurabili? Può darsi, ma li si nota perché l’autore stesso li sottolinea e si tratta comunque di crepe in quella sospensione dell’incredulità di cui un film del genere ha bisogno.

Detto questo, Inception è un filmone.

We Await Silent Tristero’s Empire

2010-10-04T09:37:00.003+02:00

Secondo romanzo di uno dei maestri del post-modernismo americano, L’incanto del lotto 49 è un libro che va letto tutto d’un fiato. Bisogna lasciarsi trascinare dalla creatività di Pynchon, capace di sorprendere e ipnotizzare, e pazienza se, di tanto in tanto, si perde il filo o ci si dimentica di qualche dettaglio. Ciò che conta è il restare immersi in quel flusso estroso che è la storia di Oedipa Mass e della sua indagine su una possibile congiura postale che si protrae da secoli. Una vicenda surreale, intrisa di una crescente paranoia e popolata di personaggi al limite del grottesco. Si ride e ci si appassiona al mistero mentre la parodia della società americana ci sfila davanti come un allucinato carrozzone. Finale enigmatico, forse strafottente o forse amaramente cinico. In tutto questo non mancano i momenti in cui la genialità della prosa di Pynchon diventa logorante, con quel suo avvitarsi intorno a invenzioni e suggestioni che talvolta risultano astruse e gratuite.

Laggiù nella vaporità qualche volta ci si perde

2010-09-24T08:52:00.003+02:00

Il Bianconiglio è una belva assassina al servizio della dispotica Regina; lo Stregatto è un umanoide felino con tanto di poncho e l’ambiguo ruolo di Diavolo dei Crocicchi; il Paese delle Meraviglie è diventata la Steamland, landa misteriosa costellata di tecnorifiuti, popolata da mutanti e pervasa dalla vaporità, una strana sostanza simile al vapore e in grado di generare potenti allucinazioni. L’immaginazione di Dimitri è fervida e questo suo Alice nel paese della vaporità parte col piede giusto. Arrivati a metà libro, però, le descrizioni si assottigliano, la trama perde originalità e i nuovi personaggi che compaiono hanno lo spessore della carta velina. Non mancano anche dei difetti stilistici: troppe parentesi, font strani e addirittura un grafico che risultano gratuiti, linguaggio a tratti troppo colloquiale. Nonostante ciò il libro si lascia leggere volentieri anche nei passaggi meno belli e fa ben sperare sul futuro di Dimitri, uno dei pochi giovani autori di letteratura fantastica italiana che abbia qualcosa di nuovo da raccontare e le potenzialità per farlo bene.

VERSIONE APPROFONDITA (AtlantideZine)

Non si può scegliere quando dire la verità. La verità non te lo permette

2010-09-21T09:32:00.003+02:00

Nolan bandisce il buio e crea un thriller ben fatto, scavato sulla faccia segnata dall’insonnia e dai sensi di colpa di un notevole Al Pacino. L’indagine sull’omicidio di una giovane nelle terre senza notte dell’Alaska è solo una scusa; a metà film, infatti, il colpevole viene svelato ma ciò che importa al regista è l’ambiguità morale dei due protagonisti, entrambi invischiati in una rete dalla quale non si possono districare.

Insomnia è il più sobrio e lineare dei film di Nolan nonché, forse, il meno “bello” (giusto perché gli altri sono splendidi) ma al tempo stesso è la prova che la sua bravura non sta solo nell’originalità di certe trovate ma anche nella grande padronanza del mezzo cinematografico, dalla regia al montaggio alla sceneggiatura. Aggiungeteci il piacere di vedere un Robin Williams così lontano dai suoi classici personaggi e un Hilary Swank che regge il confronto con i due pezzi grossi e avrete tutto quel che serve per un ottimo film.

42

2010-09-17T15:02:00.002+02:00

Da una trasmissione di successo della BBC nasce il libro di successo di Douglas Adams: la Guida galattica per autostoppisti è il primo di una serie di romanzi dedicati alle sgangherate avventure dei viaggiatori interstellari Arthur e Ford. Fantascienza in chiave comica che risulta essere spassosa in certi punti ma soltanto simpatica in tutto il resto del libro. Fra le trovate migliori ci sono il robot depresso Marvin, l’astronave a Propulsione d’Improbabilità Infinita e i topi superintelligenti col loro complicatissimo esperimento, per non parlare della mitica Risposta alla vita, all’Universo, a tutto.

Adams sa essere spiritoso nel suo giocare coi cliché della fantascienza e riesce a non essere banale ma non sempre i tempi comici rendono al meglio; in definitiva, Terry Pratchett è tutt’altra roba.

I’m Raino from Finland. We got Santa Claus

2010-09-14T11:09:00.003+02:00

Sepolto nelle profondità della terra c’è un demone antico che viene liberato per avidità e qualcuno dovrà fermarlo. L’impianto narrativo di base è classico ma se si considera che il cattivone di turno altri non è che Babbo Natale allora la questione si fa interessante. Se poi la storia viene raccontata con ritmo ed efficacia, combinando folklore finalndese, atmosfere horror e humor nero l’applauso diventa obbligatorio. Rare exports: a Christmas tale è un divertimento cupo e sanguigno nel quale ogni elemento è azzeccato: la costante tensione, fatta di dettagli e mai troppo esplicita, la grottesca ironia, la trama semplice e diretta, la notevole fotografia, gli ottimi interpreti.

Fra colpi di scena ben dosati e gli splendidi paesaggi nordici, la trama procede senza mai incespicare fino allo scontro finale, con tanto di liberatorio “Happy fucking New Year”.

Tutto finito? No, c’è ancora una piccola e spassosa perla conclusiva.

Un piccolo gioiello presentato in prima mondiale al Festival di Locarno, nella speranza che la prestigiosa vetrina sia il lasciapassare per un’ampia distribuzione.

VERSIONE APPROFONDITA (AtlantideZine)

Ma quale Grecia, l’Olimpo è a New York. Questi americani...

2010-08-31T23:34:00.003+02:00

Riassumendo: qualcuno ha rubato la folgore a Zeus il quale, chissà poi perchè, dà la colpa all’ignaro figlio di Poseidone. Nel giro di dieci minuti il nostro eroe viene attaccato da una Furia e dal Minotauro, viene salvato da un satiro, conosce un centauro e scopre il campo delle Giovani Marmotte Semidivine. Poi affronta la Medusa, l’Idra e i mangiatori di loto, scende negli inferi, dimostra di non saper contare fino a quattro, incontra Ade che è un patetico pirla vestito da rockstar, viene aiutato da quella strafica imperiale di sua moglie, ritrova la folgore, suona chi l’aveva rubata, salva il mondo da una guerra divina e se ne torna dalle Giovani Marmotte. Non mancano la tipa che lo attizza e il simpatico amico negretto.

Chris Columbus confeziona un frullato di mitologia teen-pop, mortificando il sense of wonder con un ipertrofico ammassamento di creature buttate nel mucchio senza un minimo di suspense, preoccupandosi poco di trama e sceneggiatura e sprecando un cast interessante.

Insomma, una cazzata tonica, che però può divertire se una sera non avete proprio niente da fare.

Branca, Branca, Branca, Leon, Leon, Leon

2010-08-31T09:10:00.003+02:00

Brancaleone da Norcia, improbabile ma coraggioso cavaliere, guida un gruppo di spiantati in un viaggio tragicomico attraverso un Medioevo di perdenti e miserabili, ben lontano dallo stereotipo cavalleresco ma non per questo privo di gesti di amicizia e di eroismo. Impossibile non sbellicarsi nel sentire il latino maccheronico che Monicelli si è inventato insieme agli sceneggiatori Age e Scarpelli ma, nonostante la comicità, è anche impossibile dimenticare l’onnipresenza della morte. Ma il linguaggio non è l’unico pregio de L’armata Brancaleone: notevoli i costumi, la colonna sonora e, soprattutto, strepitosa l’interpretazione di Gassman, primo fra gli ultimi, carismatico e generoso leader della scalcagnata compagnia. Un po’ sotto tono Volonté ma ci pensa Enrico Maria Salerno a dar man forte al protagonista col suo invasato predicatore. Commedia popolare ricca di riferimenti profondi, un classico del cinema italiano.

Il virus a cavallo fra gioco e narrativa

2010-08-27T13:27:00.002+02:00

New York, 1946. Un virus di origine aliena colpisce la città, stermina rapidamente la maggior parte dei contagiati, sfigura il 90% dei sopravvissuti (i Jokers) e dona capacità sovrumane al restante 10% (gli Aces). Da allora il mondo è cambiato. Uomini e donne in grado di volare, di assorbire le menti altrui, di fermare il tempo o sollevare mezzi blindati si ritrovano coinvolti nelle grandi manovre politiche della guerra fredda mentre nelle malfamate strade di Jokertown, sobborgo della Grande Mela nel quale si radunano gli sfortunati e grotteschi mostri che hanno “pescato la carta sbagliata”, razzismo, malcontento e violenza crescono giorno dopo giorno.

Wild Cards, L’origine introduce il lettore all’universo condiviso di Martin e soci, nato da un gioco di ruolo e giunto, in America, al diciassettesimo volume.

L’edizione italiana è discutibile – frequenti errori di battitura, copertina insulsa – ma non sminuisce il fascino di una serie che deve il suo successo al sincero entusiasmo dei suoi autori, all’originalità di certi personaggi e al loro spessore psicologico.

VERSIONE APPROFONDITA (AtlantideZine)

Alieni e vichinghi

2010-08-24T16:17:00.004+02:00

Dunque, c’è il classico outsider che arriva nel villaggio vichingo e già lo capisci che flirterà con la femmina di turno, figlia ribelle del vecchio e saggio re e promessa all’ambizioso e arrogante tizio che potrebbe diventare re a sua volta. Ovviamente nessuno crede all’outsider quando dice di essere a caccia di draghi, neanche quando vedono gente squartata da enormi artigliate. Poi però fa amicizia con l’orfano e l’ubriacone, salva il re e diventa l’amicone di tutti. Successivamente il re crepa, la bella figa viene presa dal drago e il tizio arrogante e ambizioso muore eroicamente, dopodiché il protagonista ammazza il drago. Ovviamente.

Ok, sempre la solita solfa. Eppure Outlander un suo perché ce l’ha, soprattutto perché tanto il protagonista quanto il “drago” vengono da un altro pianeta. Sembra una cagata e la povertà della sceneggiatura non aiuta ma tutto sommato il film ha un buon ritmo e si lascia guardare, a patto di mantenere le pretese basse.

Olocausto draconico

2010-08-22T10:56:00.004+02:00

Quello post-apocalittico è uno scenario affascinante ma dopo Mad Max, Hokuto no Ken e Terminator diventa difficile non ripetersi. E allora? E allora buttiamoci dentro i draghi. Questo ha pensato Rob Bowman, regista de Il regno del fuoco. Ma se ci sono migliaia di draghi come mai i protagonisti li incontrano sempre uno per volta? E come mai la figa di turno se ne va in giro con l’elicottero senza che nessun mostro alato l’abbia ancora abbattuta? E dove la trova tutta quella benzina? Queste e altre leggerezze certo non facilitano quella “sospensione dell’incredulità” su cui un film del genere si basa ma vengono però messe in disparte da una narrazione ritmata e scorrevole. Efficace l’ambientazione, dominata dal grigio cenere e dal rosso fuoco, ben fatti i draghi e azzeccati i due carismatici protagonisti; Bale interpreta con mestiere l’umano e prudente capo comunità inglese mentre McConaughey molla i panni da fighetto e presta cranio rasato, muscoli tatuati e occhi spiritati all’avventato e spietato cacciatore americano. A completare questo film concreto e piacevole c’è uno scontro finale rapido ma non frettoloso e la messa al bando di certe sviolinate gratuite e sbavature retoriche.

L’amarezza dell’eroe

2010-08-19T14:20:00.003+02:00

Dopo il successo de Il sesto senso, Shymalan ritrova Bruce Willis e confeziona intorno a lui il notevole Unbreakable. Unico sopravvissuto a un terribile incidente ferroviario, David Dunn viene avvicinato dal singolare esperto di fumetti Elijah Price, il quale ha un’ipotesi apparentemente assurda sulla sua miracolosa sopravvivenza. Il regista indiano racconta il viaggio di David alla scoperta di sé stesso con eleganza – notevoli i giochi di specchi con cui spesso riprende il fragile Elijah – e sobrietà, fino a giungere a un perfetto e drammatico finale a sorpresa. Ad affiancare il malinconico Willis c’è un Samuel L. Jackson misurato e convincente, una brava Robin Wright Penn e il giovane e ottimo Spencer Treat Clark.

Un film da vedere, specialmente ora che i supereroi stanno diventando più scuse per macinare quattrini che spunti e simboli intorno ai quali costruire storie intense e profonde.

Carne, ossa e il caro vecchio Newton... come cazzo facevano a sopravvivere?

2010-08-16T23:42:00.005+02:00

Deathproof è indubbiamente il più erotico, logorroico, gratuito, feticista, insensato e demenziale lavoro di Tarantino. Il buon Quentin annoia a tratti, si cita addosso di continuo, sfodera un’indisponente parata di fighe, crea tensione come lui sa fare per un’ora e mezza e risolve il tutto con quindici minuti di inseguimenti e pestaggi. Più che un film, masturbazione cinematografica.

Inutile paragonarlo al resto della sua filmografia perché siamo dalle parti della cazzata d’autore ma se si hanno pazienza e dedizione vale la pena guardarlo; per Rosario Dawson, per le gambe da urlo della figlia di Sidney Poitier, per il formidabile Kurt Russell, per certi dialoghi, per la spontanea follia e perché alla fine, se si accettano le regole del gioco, ci si riesce anche a divertire.

Compare anche l’”Orso ebreo” Eli Roth.

Diamanti di scarso valore

2010-08-14T23:11:00.003+02:00

I film mediocri si dividono in due categorie: ci sono quelli dai quali non puoi aspettarti più di tanto perché bastano il trailer, la locandina, i nomi di autori e interpreti per intuirne il livello. E poi ci sono quelli che invece ti illudono, sfruttando ambientazioni esotiche, nomi di grosso calibro e la giusta dose di intrigo e sex appeal per creare delle aspettative che poi, immancabilmente, vengono deluse. After the sunset appartiene a questa seconda categoria. Un cast di prim’ordine per un classicone di guardie e ladri a caccia di un grosso diamante. Peccato che tutto sia mediocre, regia, sceneggiatura, storia, per non parlare degli attori: Brosnan gigioneggia senza mai cambiare espressione, Salma Hayek non fa nulla di particolare a parte ricordarci quant’è arrapante, Woody Harrelson fa la macchietta mentre Don Cheadle, il più sprecato, sembra uno che passava di lì per caso.

Niente di tragico, il film tutto sommato intrattiene senza annoiare e si lascia dimenticare in fretta. L’importante è tenere le aspettative basse.

“... come se tutti esistessero solo per essere usati nelle sue storie”

2010-08-12T21:15:00.002+02:00

La vita fa rima con la morte si apre con una domanda: perché scrivi? Da essa ne derivano altre, che si affastellano nella prima pagina del libro. Sono domande alle quali lo scrittore protagonista si aspetta di dover rispondere al termine dell’incontro letterario cui è stato invitato come ospite d’onore. Prima, durante e dopo quest’incontro lo scrittore divaga, cogliendo dettagli dalle persone intorno a lui e sviluppandoli in abbozzi di storie, che a loro volta richiedono altri dettagli, generano interazioni e danno vita a intrecci spesso imprevedibili. Amos Oz gioca col flusso di coscienza, passa dalla prima alla seconda alla terza persona, scivola da un personaggio all’altro senza mai abbandonare l’unico luogo in cui è ambientato questo libro: la testa dello scrittore.

Una volta giunti all’ultima pagina non si trovano risposte dirette alle domande con le quali il libro è iniziato. Forse perché la risposta sta in quel divagare creativo e istintivo nel quale lo scrittore non può fare a meno di perdersi, varcando di continuo la soglia fra realtà e immaginazione.

Intrigante e riflessivo, non privo di autocompiacimento.

Il sacrificio di una buona idea

2010-07-18T14:31:00.003+02:00

La Sensei è una mangaka che ha rinunciato alle passioni per realizzare la storia che l’ha resa famosa. Hyoutsuki è un demone affascinante e potente, che disprezza gli umani e detesta il cambiamento. Una rara dote consente a lei di varcare il confine fra i mondi e di imprigionare nelle sue chine i destini di altre creature. Compreso lui che, quindi, decide di intervenire. Questo lo spunto di partenza di Esbat, storia di amore e sangue incentrata sui rapporti di potere, volontà e desiderio fra il demone e la donna.

Lara Manni riesce a confezionare una trama interessante, scegliendo di ignorare i soliti e noiosi “eroi buoni” per concentrarsi su Hyoutsuki e sul mezzo-demone Yobai, entrambi discretamente caratterizzati. Quando però sposta la sua attenzione sul mondo “reale” naufraga in una sconcertante marea di banalità: personaggi stereotipati e privi di spessore, versi di Rimbaud e Pascoli mischiati a strofe dei Doors e dei Nirvana, dinamiche giovani-adulti che sembrano uscite da un libro di Moccia. Il tutto condito da uno stile anonimo e troppo, troppo colloquiale.

Un’occasione sprecata. Purtroppo.

Droga, pallottole e la nebulosa del Granchio

2010-07-12T12:53:00.003+02:00

Banerjhee Rolf ha una moglie affezionata, un giardino da coltivare, un’incrollabile passione per l’astronomia e un vicino tossicomane di nome Toby Pride. Saranno proprio lui e la sua strafatta fidanzata Esme a stravolgergli la vita. Fin dalle prime pagine di Cattive abitudini, discutibile traduzione di Dark companion, Jim Nisbet prende per mano il lettore e lo guida nel mondo esteriore e interiore di Banerjhee; lo fa con una semplicità quasi ipnotica, sfruttando divagazioni astronomiche e dialoghi al tempo stesso brillanti e verosimili. Poi, dopo più di metà romanzo, l’autore cambia ritmo, spiazza e sorprende, in un vortice di sangue e pallottole che porta, con spietata rapidità, a un finale di quelli che ti avvitano alla sedia, ti lasciano lì a fissare le ultime righe e ti fanno dire: “Bravo!”

E non è solo una questione di trama: quello che emerge dalla penna dello scrittore americano è quell’intreccio di paranoie e crisi socio-economiche che sono gli Stati Uniti post-11/09, un posto nel quale nessuno è veramente al sicuro e la vita vale quanto una puntata alla roulette.

VERSIONE APPROFONDITA (ATLANTIDEZINE)

La Storia senza una storia

2010-07-01T10:14:00.003+02:00

All’inizio del XV secolo tre cavalieri partono da Segovia, Firenze e Gerusalemme diretti verso Oriente, mossi da diverse motivazioni ma con il medesimo obiettivo: Timur Beg, anche noto come Tamerlano, misterioso e temuto signore di un impero che si estende dai confini turchi a quelli cinesi. Un viaggio di crescita interiore e al tempo stesso un’occasione per descrivere un mondo spesso trascurato dai nostri libri di storia. Uno spunto interessante, insomma, quello de Il signore della Paura. Peccato che il risultato non sia all’altezza: la ricostruzione storica di un esperto come Cardini è indubbiamente profonda e dettagliata ma l’impalcatura narrativa è debole e quasi sempre sottomessa al bisogno di distribuire informazioni. Passaggi affrettati si alternano a prolisse divagazioni e le storie dei protagonisti – solo di due in realtà, lo spagnolo rimane decisamente in secondo piano – non vanno al di là di un’ordinaria vicenda di tradimento e vendetta.

Sangue e crisantemi

2010-06-22T15:54:00.004+02:00

Nello sfarzoso e coloratissimo palazzo si consuma il dramma della famiglia imperiale, chiusa in una rete di riti e tradizioni immutabili e al tempo stessa percorsa da contrasti, tradimenti e passioni che sfoceranno nell’inevitabile carneficina. Alla fine, rimossi i cadaveri e lavato via il sangue, migliaia di crisantemi torneranno a ricoprire i cortili del palazzo. Non a caso il titolo originale è The curse of the golden flower.

Se in Hero Zhang Yimou aveva celebrato la grandezza dell’eroe che accetta di sottomettersi a un sovrano duro ma giusto, ne La Città proibita il regista cinese racconta invece la ferocia del tiranno, disposto a tutto pur di mantenere integro il proprio potere e le tradizioni su cui esso si fonda. Centrale anche in questo caso la figura dell’Imperatore, non più saggio e visionario ma crudele e spietato, non più l’Unificatore ma il Despota. Diverso anche lo stile narrativo, meno poetico e più crudo, meno ricercato e più lineare mentre i combattimenti acrobatici in stile wuxiapan sono meno frequenti e ben gestiti. Ottimo il cast, eccezionale la fotografia.

Preoccuparsi del futuro è utile quanto masticare un chewing gum per risolvere un’equazione matematica

2010-06-15T08:51:00.004+02:00

Prendi due grandi attori, sbattili in una stanza insieme ad un giovane che reciti la parte dell’ingenuo e falli parlare di vendite, matrimoni, Gesù, lubrificanti industriali e senso della vita per un’ora e mezza. Et voilà, The Big Kahuna. Nella modesta suite di un albergo si confrontano e si scontrano tre diversi caratteri, tre diverse esperienze di vita, lungo un percorso di crescita e maturazione personali con sfumature beckettiane. Kevin Spacey, anche produttore, si trova un ruolo che gli consente di gigioneggiare con classe; accanto a lui c’è un Danny DeVito misurato, malinconico e bravissimo mentre lo sconosciuto Peter Facinelli riesce a non farsi fagocitare dai due mostri. Si parla tanto e non succede niente in questo film teatrale, che non sempre sta al passo delle proprie ambizioni ma che risulta comunque piacevole.

Figliolo, sono il capitano Jack Sparrow, comprendi?

2010-06-08T08:41:00.004+02:00

Orgogliosamente ritto in cima all’albero di una barca che affonda, con le sue treccine, i suoi occhi cerchiati e la sua cialtronesca spavalderia. Così Capitan Jack Sparrow fa il suo ingresso nell’immaginario cinematografico. The curse of the Black Pearl è forse il miglior film d’avventura dai tempi di Indiana Jones e gran parte del merito va alla straordinaria interpretazione di Johnny Depp. La sua grande prova non deve però far dimenticare che anche il resto del film è di ottimo livello: c’è un degno avversario, Barbossa, interpretato da un bravissimo Geoffrey Rush, c’è una regia dinamica, un’ottima colonna sonora, effetti speciali che arricchiscono la storia senza soffocarla, dialoghi brillanti e indovinati colpi di scena. Un mix grazie al quale Verbinsky e Bruckheimer rivitalizzano il genere piratesco in chiave pop-rock.

Intrattenimento di alta qualità, il cui unico difetto è, forse, l’essere un po’ lunghetto.

L’omicidio ha un significato e una forma, ma non ha soluzione

2010-06-07T09:03:00.003+02:00

Alla storia romanzata di Jack lo Squartatore, ispirata alla più accreditata delle sue tante versioni, si sovrappone l’affresco crudo e dettagliato della Londra vittoriana alla fine del XIX secolo. Una Londra la cui ricchezza di storia e di simboli costituisce un terzo, potente livello di lettura e, al tempo stesso, la base della visionaria follia di William Gull, autodefinitosi precursore del XX secolo. Nella brillante appendice finale affiora infine un quarto livello, che parte dalle innumerevoli ricostruzioni dei delitti di Whitechapel per arrivare all’essenza stessa della figura dell’omicida e di ciò che lui e il suo mito rappresentano.

From hell è insomma un’opera ambiziosa e profonda, i cui toni cupi sono splendidamente illustrati dallo stilizzato bianco e nero di Eddie Campbell. Alan Moore si compiace nel mostrare la propria erudizione e certe volte risulta un po’ troppo prolisso ma glielo si perdona, visto che il risultato è un capolavoro drammatico, storico, ironico e visionario.

Fondamentali le note, che aiutano a riordinare e interpretare i tanti dettagli di cui è ricco il testo.

Metti dei nani davanti a una cinepresa. Canteranno ‘ehihò’

2010-06-04T13:04:00.003+02:00

In Stelle cadenti Terry Pratchett ci parla di realtà, delle sue sfumature e delle idee folli che di tanto in tanto vi si insinuano. Tutto ha inizio quando gli alchimisti del Mondo Disco inventano il cinematografo e vanno ad usarlo a Holy Wood, luogo dal passato pericoloso e dimenticato. Su questa base l’autore inglese costruisce una spassosa avventura, arricchita da una galleria di assurdi personaggi – splendidi gli animali parlanti, soprattutto Gaspode – e culminante in un epico finale che richiama, a parti invertite, la scalata di King Kong al grattacielo.

Pur lanciando parecchie sarcastiche frecciate sul mondo del cinema (o meglio, dell’industria del cinema), Pratchett preferisce puntare più sulla parodia che sulla satira, giocando con gli stereotipi hollywodiani con lo stesso humor intelligente e mai volgare con cui per anni ha giocato con gli stereotipi del fantasy.

Risate assicurate.

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A quanto pare, tutti vanno a letto con tutti

2010-06-03T11:21:00.004+02:00

Diciamolo, i Coen hanno fatto film migliori. Detto questo, Burn after reading è tutt’altro che brutto: l’idea non è male, l’intreccio, nonostante una partenza non troppo brillante, è ben gestito e non mancano un paio di grandi trovate*. Il cast, poi, è pregevole, non solo perché ricco di pezzi da novanta ma perché questi pezzi da novanta si dimostrano motivati: su tutti Malkovich col suo ex-spione rabbioso e alcolista, Pitt col suo palestrato imbecille, Clooney perfettamente calato nei panni di un cialtrone erotomane e paranoico e la McDormand ben scelta per interpretare una maniaca della chirurgia plastica. Insomma, gli ingredienti ci sono tutti; quel che manca è l’amalgama, il tocco dello chef di classe, quel “non so che” che fa la differenza. Nella girandola di tradimenti e inganni che han messo in piedi, i fratelli del Minnesota finiscono con il perdere un po’ la bussola, confezionando così un film che per molti registi sarebbe notevole ma che per loro è soltanto discreto.

*: quella della poltrona di Clooney è strepitosa.

Anche i bamboccioni crescono

2010-06-01T08:50:00.004+02:00

Giovane rocker 35enne in crisi con le proprie ambizioni decide di tornare a casa dopo quattro anni. Qui ritrova il fratello esaurito, la sorella che ha mollato l’università ed è cronicamente priva di fidanzato, la madre ai corsi di meditazione, il padre che gioca a golf e l’impresa di famiglia sull’orlo della bancarotta.

Ennesimo ritratto generazionale in salsa italiana, Non pensarci è una commedia leggera con venature di malinconia, che scorre via come acqua fresca, senza far danni ma senza neanche lasciare troppo il segno. Benché penalizzato da una sceneggiatura interessante solo a sprazzi e da una narrazione non sempre appassionata, Zanasi riesce comunque a raccontare la semplicità della vita di provincia senza scadere nel banale. Bene Mastandrea e Battiston, bella la Caprioli, c’è anche Caterina Murino che ha una particina e dispensa sorrisi e scollature.

Simpatico.

Un giorno senza la notte, una notte senza il giorno

2010-05-26T08:44:00.003+02:00

Ladyhawke è uno di quei classici che si guarda sempre con piacere. Il trucco sta nella semplicità, in primo luogo dei personaggi: due innamorati, lo scaltro giovane che li aiuta, il bieco cattivo che li ha maledetti, il vecchio monaco in cerca di redenzione. E poi la trama, essenziale senza essere sbrigativa, e i dialoghi, funzionali senza essere miseri. Insomma, poche cose ma fatte bene e pazienza se la colonna sonora è inascoltabile. Bella la fotografia e ottimo il finale nella cattedrale, dove Donner costruisce un happy ending romantico evitando gratuite melensaggini e offrendo la miglior inchiodatura di vescovo che si ricordi. Buono il cast, con un Rutger Hauer convincente e lo splendore indescrivibile e illegale di Michelle Pfeiffer.

C’è anche un irriconoscibile Alfred Molina nel ruolo del cacciatore.

Noia fra le dune

2010-05-23T10:42:00.003+02:00

Dunque, c’è questo campione di parkour di umili origini che diventa principe e passa il suo tempo a correre dietro a una sacerdotessa tanto gnocca quanto petulante e a scappare da cattivi tanto stupidi quanto improbabili, guidati da un Ben Kingsley ridicolmente mefistofelico. Tutto ciò avviene in una sequela di scene di inseguimenti, duelli e bisticci amorosi tenute insieme con lo sputo, che poi sarebbe la trama di Prince of Persia.

E non venitemi a dire che in fondo bisogna accontentarsi perche è un film tratto da un videogioco: la trilogia dei Pirati dei Caraibi (stesso produttore) era ispirata ad una giostra ed è ben lontana dall’essere una schifezza. Il merito non era soltanto di un Depp da Oscar ma anche del resto del cast, dei colpi di scena, dei dialoghi, della colonna sonora e della logica con cui la storia si snodava. Tutta roba che qui manca, soprattutto la logica della storia.

Unica perla: Alfred Molina e il suo schiavista-imprenditore appassionato di struzzi.

Rise and rise again, until lambs become lions

2010-05-13T09:17:00.005+02:00

C’è un Robin leale, carismatico e ribelle; una Marion combattiva, affascinante e (quasi) indomabile; ci sono gli allegri compagni che sono, giustamente, allegri; c’è Fra’ Tuc che è un simpatico beone; c’è lo sceriffo sfigato; c’è un principe Giovanni viscido e pavido. Insomma, c'è tutto quello che ci si aspetta da un film su Robin Hood, con l’aggiunta di qualche interessante variazione. E con un cast della madonna.

Altro che il gladiatore con arco e frecce, questo è meglio.

Poi però, arrivato a metà film, al buon Ridley scappa il piede sull’acceleratore e il preannunciato orgasmo cinematografico si risolve in una venuta un po’ troppo frettolosa, con certe soluzioni narrative un po’ tirate per i capelli. Film comunque avvincente e dinamico, senza troppa retorica e con belle scene d’azione. Meglio de Le Crociate ma Massimo Decimo Meridio e il poco conosciuto Robin Hood di John Irvin restano un gradino più in su.

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Leon, che nome cazzuto

2010-05-12T10:37:00.002+02:00

Raccontare una platonica storia d’amore fra un sicario e una ragazzina poteva essere un’idea rischiosa; troppo facile scivolare nella banalità o nel cattivo gusto. Luc Besson, in Leon, ci riesce in pieno, realizzando il suo miglior film grazie a un indovinato equilibrio di violenza, delicatezza, malinconia, ironia e dramma che nei lavori successivi non riuscirà più a ricreare. La scena d’azione conclusiva poi è un vero gioiello. Di certo però non avrebbe ottenuto lo stesso risultato senza una spettacolare coppia di protagonisti: difficile infatti dire se sia più strepitoso Jean Reno, col suo killer professionista e goffamente umano, o la giovanissima Natalie Portman, con la sua audace ragazzina in cerca di amore e vendetta. Bene anche Gary Oldman e il suo poliziotto banditesco e schizzato. Ottima colonna sonora.

Uno storpio, un matto e un vero fantasy italiano

2010-05-12T10:31:00.003+02:00

Barbi approfitta di questa riedizione delle avventure del gobbo becchino Ghescik e dello squilibrato cacciatore di topi Zaccaria per limare e correggere, eliminando certe ingenuità (non tutte) e dando più spazio alla prostituta Isotta, la cui uscita di scena nella precedente versione risultava parecchio affrettata. Il risultato è un libro solido e piacevole, scritto con uno stile lineare e pulito che non brilla per inventiva ma neanche pecca di presunzione. L’incastro narrativo è ben costruito e procede spedito fino alla conclusione senza incappare in forzature o cali di ritmo, mentre il bilanciato mix di ironia e dramma, unito alla simpatica e cialtronesca furbizia del becchino storpio, forse il vero protagonista, e all’ambientazione rurale, dà un tocco di “italianità” a questo romanzo.

Da leggere se vi siete stufati della paccottiglia scopiazzata da Tolkien e distorta in chiave teen che gli editori italiani spacciano per “fantasy nostrano”.

QUI TROVATE LA VERSIONE APPROFONDITA (ATLANTIDEZINE)

L’assassina dagli occhi azzurri

2010-05-10T08:45:00.005+02:00

Guardando Nikita non si può fare a meno di notare i tanti difetti di una sceneggiatura ricca di situazioni sconclusionate e forzature, che risulta poco credibile soprattutto quando racconta l’addestramento della protagonista e le sue imprese sul campo. Quel che stupisce è che, ciò nonostante, si finisce per restare coinvolti nelle vicende della giovane disadattata condannata all’ergastolo, reclutata dai servizi segreti per diventare una sicaria e costretta a vivere una vita divisa fra sentimento e dovere. Il merito è tutto della strepitosa interpretazione di Anne Parillaud, che dona spessore e intensità al personaggio di Nikita e tiene in piedi un film altrimenti mediocre. Divertente la comparsata di Jean Reno, bello il finale secco ed essenziale, notevole il tema musicale di Eric Serra.

Altan - L'Espresso, 29 aprile 2010

2010-05-06T20:50:00.001+02:00

Meno male che Robert c’è

2010-05-02T09:30:00.004+02:00

Iron Man 2 è talmente costruito sul personaggio di Tony Stark che non sarebbe strano se l’avesse anche scritto e diretto di persona, il che è un pregio, visto che Robert Downey Jr è in gran forma, ma è anche una debolezza. Già, perché puntando tutto su di lui si è perso qualcosa in tutto il resto. Trama e sceneggiatura sono infatti meno solide e brillanti del primo episodio e gli effetti speciali diventano un po’ troppo invasivi. A risentirne di più però sono gli altri personaggi – piuttosto piatti – e il cast stellare arruolato per interpretarli: gli unici che riescono a non farsi fagocitare dall’istrionico Robert sono la Paltrow, che si rivela anzi un’ottima spalla, e Jackson, con la sua fugace apparizione. Sprecati Johansson e Cheadle, poco convincente Rourke, fastidioso Rockwell.

Insomma, senza il buon Robert Iron Man 2 sarebbe soltanto un carrozzone frettoloso e scintillante, quasi interamente basato su battutine e su un ipertrofico bum-bang-crash. Con lui diventa un divertente film di intrattenimento, sebbene fosse comunque lecito aspettarsi un qualcosa di più.

Surrealismo sotto le righe

2010-04-28T23:49:00.004+02:00

Prima dei Tenenbaum e delle immersioni di Steve Zissou, prima dei treni per il Darjeeling e delle volpi in stop motion ci sono un eccentrico teen-ager e un laconico industriale che si contendono l’amore di una maestra giovane e vedova. Tanti dei temi cari a Wes Anderson fanno la loro comparsa in Rushmore, conditi dal tocco surreale, ironico e malinconico che è diventato il marchio di fabbrica del regista americano. Peccato però che il risultato non sia convincente come nei lavori successivi: spesso infatti il film sembra perdere la bussola e non sempre le buone interpretazioni della coppia Schwartzman/Murray e certe eccentriche trovate di regia e sceneggiatura bastano a rimetterlo in careggiata. Detto questo, i film brutti sono un’altra roba e il talento di Anderson, sebbene ancora grezzo, c’è e si vede.

Massiccio, pesante e noioso

2010-04-25T12:59:00.004+02:00

Acclamato come un classico della letteratura fantastica, Tito di Gormenghast è un romanzo gotico/allegorico scritto con uno stile lento ed enfatico che, se da un lato ben si adatta alla rappresentazione dell’esistenza della famiglia de’ Lamenti, pietrificata in un’assurda etichetta dettata dalle tradizioni, dall’altro risulta essere eccessivo e stancante. Le lunghe e intricate descrizioni in cui Peake si avventura dilatano all’inverosimile ogni particolare, generando noia. Spesso poi, si ha l’irritante sensazione che tutta questa verbosità sia dettata più da esibizionismo stilistico che da sincere necessità narrative.

Peccato, perché le idee interessanti non mancano e i personaggi, a metà strada fra il simbolico e il caricaturale, hanno un loro particolare fascino.

Più che un libro, un greve bassorilievo, ampiamente sopravvalutato.

Di mitologico c’è solo la stupidità

2010-04-22T09:30:00.005+02:00

In Scontro fra titani un Perseo palestrato ed espressivo quanto un termosifone si mena con mostri sempre più grossi e sempre più idioti. Più che un film sembra una partita di D&D giocata da tredicenni invasati e totalmente privi di senso della narrazione. Gli dei sono vestiti come i Cavalieri dello Zodiaco ma meno credibili, guidati da uno Zeus imbecille e volubile e ingannati da un Ade ridicolmente perfido. Poi ci sono la medusa, il kraken (nell’Antica Grecia? Temuto anche dagli dei? Boh...), pegaso, gli scorpioni giganti (nell’Antica Grecia? Boh...) e tre streghe scopiazzate da Del Toro. E i titani, direte voi. No, niente titani. E il senso del titolo? Boh...

Regia e sceneggiatura non pervenute e l’unico attore che perlomeno finge di recitare (Pete Postlethwaite) crepa dopo tre minuti. Al confronto G.I. Joe sembra un film di Antonioni e il noioso Transformers 2 un film decente.

Talmente brutto da essere involontariamente comico.

Di volpi, poesia e anarchia

2010-04-19T09:06:00.003+02:00

Mentre in tanti fanno a gara ad appiccicare inutili 3D ai propri blockbuster, Wes Anderson sceglie di puntare sull’animazione in stop-motion per portare al cinema un racconto di Rohal Dahl; il risultato è un piccolo grande film, emozionante e poetico. Fantastic mr. Fox è pervaso dalla vena surreale del regista americano, dal suo humor, dai suoi colori, dalle sue musiche. Bastano pochi minuti per dimenticarsi di avere a che fare con dei pupetti di plastilina e ritrovarsi conquistati da questa storia che inneggia a Robin Hood strizzando l’occhio a Sergio Leone. Dopo un inizio folgorante il film perde qualche colpo nella seconda parte ma si chiude con eleganza, confermando, casomai ce ne fosse ancora bisogno, l’originale talento di Anderson.

Splendida l’apparizione del lupo.

Aliens from the ghetto

2010-04-08T08:47:00.002+02:00

L’inizio è una bomba: c’è l’astronave, ci sono gli alieni, c’è il ghetto. Punto. In medias res, dritti al cuore del problema. Lo stile documentaristico si dimostra fin da subito uno dei punti di forza del film perché contribuisce a creare quell’atmosfera di surreale verosimiglianza che lo rende a modo suo unico. L’altra gran trovata è il rovesciamento dello stereotipo degli extraterrestri – non più invasori ma vittime – raccontata tramite una classica storia di caduta e redenzione.

Il solo vero difetto imputabile a District 9 è la sceneggiatura: la credibilità conquistata in pochi minuti viene infatti azzoppata da una non indifferente sequela di incoerenze e forzature di trama. Ciò non toglie che il primo lungometraggio del giovane Neill Blomkamp, prodotto da Peter Jackson, sia innovativo e intelligente, con un ritmo serrato e degli effetti speciali belli e, soprattutto, funzionali.

Finale apertissimo.

Preferisco leggere o vedere un film piuttosto che vivere, nella vita non c’è una trama

2010-04-03T11:07:00.004+02:00

De Luigi è uno scrittore imbranato, Abatantuono un ex-hippie di mezz’età, la Bilello è brava e bella, la Buy interpreta la Buy che interpreta la solita moglie in crisi e Bentivoglio, coi suoi compassati e malinconici sorrisi, è una spanna sopra tutti. Personaggi stereotipati coi quali Salvatores sperimenta con leggerezza, citando Pirandello e i Soliti Sospetti, entrando e uscendo dalla narrazione e svelandone il trucco. Happy familiy è un gioco cinematografico che diventa rifugio non solo per il protagonista Ezio ma anche, forse, per Salvatores stesso. È questa impronta intimistica a consentire al film di non essere solo un ambizioso esperimento. Non sarà una delle sue migliori opere ma è riuscito e divertente, riesce a parlare di paure usando toni da commedia e ci regala una Milano splendida, ora solare e immaginata, ora notturna e musicale.

Saper scrivere non ha niente a che fare con la buona educazione

2010-03-24T08:43:00.003+01:00

Le storie che a Lansdale piace raccontare sono piene di sangue, violenza, sesso perverso, merda e turpiloquio e Altamente esplosivo ne offre un’interessante selezione, spaziando fra i tanti generi sperimentati dallo scrittore texano: horror, gangster story, urban fantasy, pulp, grottesco.

Guai però a farsi trarre in inganno: dietro la facciata pulp e volgare si nascondono personaggi intensi e ‘vivi’, che si tratti di sgrammaticati pistoleri, violenti gangster, ottusi poveracci, ragazzini o giganti, le cui vicende sono magistralmente narrate con quello “stile Lansdale” che è, come sempre, una garanzia: vibrante e dinamico, spesso carico di una tensione magistralmente costruita, ricco di un umorismo graffiante, spietato e cinico.

Lettura a tinte forti per chi apprezza tanto l’adrenalina quanto la buona letteratura.

QUI TROVATE LA VERSIONE APPROFONDITA (ATLANTIDEZINE)

L’evoluzione della forma non dipende molto da quali geni hai, ma da come li usi

2010-03-18T08:36:00.003+01:00

Trattandosi di un libro divulgativo, chi già lavora nel campo dell’evo-devo potrebbe non trovare molto utile Infinite forme bellissime. Diverso il discorso per chi, invece, si avvicina al tema da profano o per chi abbia già delle basi di biologia dello sviluppo o di biologia evolutiva; in tal caso queste pagine potranno essere un ottimo punto di partenza per l’esplorazione. Carroll tratta argomenti complessi con efficace semplicità e li condisce con una buona visione d’insieme e una bella dose di passione, riuscendo a trasmettere l’importanza assunta da questo nuovo approccio nell’ambito degli studi sul come e sul quando gli organismi viventi si evolvono.

Ah, che tragedia essere giovani, girovaghi e promiscui

2010-03-12T09:53:00.005+01:00

Dopo il successo de L’appartamento spagnolo Cedric Klapisch ci ha riprovato ma la magia si è persa per strada: Bambole russe sembra scritto da un bruttino sfigato e un po’ represso che sogna di andar su e giù per l’Europa rimorchiando qualsiasi bella figa che gli capiti a tiro. Il brio e la leggerezza del film precedente sono stati fagocitati da una regia anonima, da un protagonista tanto irritante quanto poco credibile e da una sceneggiatura banale e prevedibile, che vorrebbe parlar d’amore ma riesce solo a sfornare stereotipi.

Bah.

Gente nuda che si mena, gente nuda che si accoppia

2010-03-09T10:18:00.007+01:00

Gladiatori a metà strada fra modelli D&G e lottatori di wrestling, circondati da una stordente parata di fighe (a partire da lei). E poi ci sono intrighi politici, orge, grida, tette, bicipiti, sangue e ralenti a tonnellate.

In una parola, Spartacus.

Raimi e i suoi prendono la formula di Rome e la estremizzano, costruendo una serie tanto grezza e ignorante quanto furba e provocatoria, dove sesso, violenza e turpiloquio sono totalmente gratuiti e il divieto ai minori diventa un titolo di cui fregiarsi.

Per intenditori.

Disney vs Burton: 1 a 0

2010-03-06T12:24:00.002+01:00

Certo, la facile morale sull’inseguimento dei propri sogni lascia il tempo che trova e non manca una certa dose di “conformismo anticonformista” che potrebbe deludere i fan di Tim Burton; ciò nonostante il regista sa bene cosa sia il sense of wonder e in Alice in Wonderland ne dispensa a pacchi. Il risultato è un film furbo, poco burtoniano, a tratti scontato ma anche assurdo, ironico e avventuroso, ricco di suggestioni e di scelte azzeccate – dal meraviglioso Stregatto alla capocciona Regina Rossa, dal criptico Brucaliffo alla scacchiera dello scontro finale – e che sa coinvolgere e divertire.

Noi siamo una generazione caffè e sigarette

2010-02-19T15:43:00.003+01:00

Tavolini, scacchi neri e bianchi, telecamere fisse. Equivoci, ipocrisie, invidie. Nomi sbagliati, appuntamenti imminenti, relazioni sfuggenti e affrettate. E, ovviamente, caffè e sigarette. Con questi elementi e con un cast meraviglioso Jim Jarmusch confeziona un piccolo gioiello da cineteca.

Fra un incipit luminoso e frenetico e una finale lento, buio e malinconico c’è tutto un succedersi di micro-episodi più o meno surreali – geniale quello con GZA, RZA e Bill ‘inculafantasmi’ Murray – molto teatrali e accomunati da una costante tensione, declinata in sfumature sempre diverse.

Si rimane rapiti, nella continua attesa di un qualcosa che non arriva, finché, alla fine, non resta che brindare alla vita.

Per i fan di Jarmusch: occhio alle autocitazioni.

C'è tanta gente ossessionata dal raggiungimento della felicità che diventa infelice al solo pensiero di non riuscire a ottenerla

2010-02-16T15:38:00.003+01:00

Il pregio di questo libricino è la leggerezza mai banale con cui affronta un tema vastissimo. Schmid fa filosofia evitando intricate digressioni, paroloni in tedesco e citazioni a raffica e concentrandosi sulla distorta e limitata accezione del concetto di felicità nella società odierna. Da qui parte un discorso che va a soffermarsi sulla ricerca del senso, inteso come l’insieme di relazioni che legano diversi aspetti della nostra esistenza; individuarli e coltivarli è il modo migliore per raggiungere la “felicità come pienezza”, che riconosce e accetta anche i momenti negativi.

Il suo difetto? Una volta illustrato il suo pensiero il libro perde un po’ di freschezza. Quando si arriva alla fine ci si rende conto che le conclusioni erano già state tratte diverse pagine prima.

Vale comunque la pena leggerlo, per la sua scorrevolezza e gli spunti di riflessione che lascia dietro di sé.

Questo… è il vero comunismo

2010-02-11T08:42:00.003+01:00

Uscendo dal cinema dopo aver visto Il concerto ci si sente appagati. Ciò che rende questo film – un po’ favola musicale, un po’ commedia sgangherata – un piccolo gioiello è il tocco intenso di Radu Mihaileanu, molto bravo, come già in Train de vie, nel coinvolgere lo spettatore nel suo sogno ad occhi aperti. A dargli una mano c'è un cast di tutto rispetto, dal convincente protagonista Aleksei Guskov alle ottime spalle Dmitri Nazarov e Valeriy Barinov fino all’affascinante “solista” Mélanie Laurent.

Due ore che scorrono veloci fra improbabili musicisti, volgari miliardari, comunisti nostalgici, divertenti inganni, zingarate e, soprattutto, emozioni. E tanta musica.

Commovente il concerto finale.

Mi piacevano molto più da morti

2010-02-07T11:54:00.003+01:00

La storia è sempre quella: una città contesa da bande rivali, un protagonista senza nome né passato che fa il doppio gioco, il massacro, la catarsi finale. Walter Hill non si fa intimidire dagli illustri precedenti – Sergio Leone, Akira Kurosawa e, ancora prima, Dashiell Hammett – e sceglie di tornare all’ambientazione anni ’30 del romanzo mantenendo però il gusto western dei due film, fra case di legno, polvere spinta dal vento e una fotografia dominata dal colore della terra bruciata dal sole. Come protagonista punta su un Bruce Willis di pistola e bottiglia facile, gli mette contro un notevole Christopher Walken e circonda entrambi di un buon cast di comprimari, dirigendo il tutto con mano salda e affidandosi alla nervosa chitarra di Ry Cooder per creare la giusta atmosfera. Il risultato è un film ben fatto, che regge dignitosamente il confronto col passato.

La mente degli uomini compie strane evoluzioni e non esiste un piano che possa comprenderle tutte

2010-01-30T16:09:00.004+01:00

I principali difetti di Q emergono fin dalle prime pagine: troppi nomi e luoghi, troppi flashback, uno stile narrativo talvolta forzato e poco fluido. Poi però, come un diesel, il libro inizia a carburare. Nella seconda parte il ritmo si fa più avvincente e l’intreccio lineare, senza mai perdere in profondità, mentre nella terza, finalmente, il conflitto fra il protagonista e la sua nemesi raggiunge il suo apice. Si arriva alla fine divorando le pagine, assaporando la tensione di una sfida durata tutta la vita e perdonando i difetti incontrati lungo la via.

Ma non è solo questione di intreccio; la forza di Q è nella Storia, che non è semplice cornice ma parte integrante di un discorso di ampio respiro politico, sociale e, soprattutto, umano. Un libro appassionato e maturo, da leggere.

Il ritorno del re

2010-01-23T13:37:00.003+01:00

Giunta al terzo capitolo, la trilogia del Signore degli Anelli conferma ciò che già si era intuito nei primi due film: la trasposizione della saga tolkieniana è perfettamente riuscita, impreziosita dal tocco personale del regista – la cascata di teschi, le sequenze nella tana di Shelob – e coinvolgente quanto il libro. Miranda Otto (Eowyn) e John Noble (Denethor) sono comprimari di lusso, l’arrivo dei Rohirrim a Minas Tirith è da erezione cinematografica e il climax epico iniziato ne Le due torri raggiunge il giusto apice.

Non mancano gli scivoloni, le madonnate di Legolas hanno sempre un che di gratuito e il finale è infinito ma ciò non toglie che quello di Jackson sia cinema di meraviglia, stupore e dramma, che sa regalare emozioni nel pieno rispetto dall’opera da cui è tratto.

La battaglia per il Fosso di Helm è finita. Quella per la Terra di Mezzo è appena cominciata

2010-01-22T08:43:00.003+01:00

Là dove il primo capitolo introduceva e spiegava, il secondo incalza e coinvolge. Ne Le due torri il ritmo si fa più serrato, il livello drammatico sale e lo spessore di molti personaggi cresce, grazie anche a performance interpretative degne di nota. Jackson alza il tiro e dirige con mano salda, alternando le vicissitudini della Compagnia ormai divisa senza mai confondere, in un crescendo di epica e tensione narrativa. Non mancano le finezze – Gollum, la vestizione di Theoden – culminanti nella battaglia al Fosso di Helm e nella splendida cavalcata finale dei Rohirrim, da cineteca.

L’inizio del viaggio

2010-01-21T09:04:00.003+01:00

Magniloquente e grandioso, La Compagnia dell’Anello è forse il più didascalico della trilogia di ispirazione tolkieniana, costretto com’è a introdurre il mondo che fa da cornice al viaggio della Compagnia e gli eventi che lo causano. Jackson si prende qualche libertà rispetto al libro e di certo il film non passerà alla storia per la sua regia, benché dignitosa, ma chissenefrega: bastano i primi sguardi alla Contea o la comparsa del Balrog per capire che lo spirito del Signore degli Anelli è stato rispettato in pieno. C’è l’epica, c’è l’eroismo dei semplici, c’è la profondità di un’ambientazione creata fin nei minimi dettagli. E in più c’è un cast azzeccato, a partire dal superbo Gandalf di McKellen, e un’indovinata colonna sonora.

Il treno di James Cameron

2010-01-17T11:16:00.003+01:00

Se il cinema è la fabbrica dei sogni allora Avatar è cinema allo stato puro. Non è solo questione di effetti speciali più fighi ma del senso di meraviglia che si prova mentre ci si avventura nella giungla di Pandora, bellissima e terribile. Difficile non pensare al treno dei fratelli Lumière: 114 anni dopo, Cameron riesce a riportare sul mega-schermo quello stesso stupore.

Certo, la storia è semplice e i personaggi sono monodimensionali ma il film va preso per quello che è, una fiaba pacifista e ecologista che solo al cinema (evviva) può essere gustata degnamente e chissenefrega se c’è qualche incongruenza.

Bello anche il fatto che la divinità di Pandora sia spiegata con una teoria neurochimica neanche troppo assurda.

W L'Italia

2010-01-16T11:01:00.004+01:00

Benedetto XVI: "Legge morale vale anche per non credenti"

E l'ICI vale anche per te.

Paola Binetti: "se vince la Bonino lascio il PD".

"Dai che è la volta buona," pare abbia commentato Bersani.

Sfatato il mito dei treni puntuali sotto il fascismo. Pare che arrivassero ampiamente in ritardo ma che il Duce, astutamente, imponesse ai giornali di coltivare il mito della puntualità ferroviaria.

Mi ricorda qualcosa.

Nel frattempo, come vanno le cose sul versante francese della Tav? Benissimo, han finito i sondaggi geognostici quasi dieci anni fa e stanno scavando senza sosta, con la benedizione della maggior parte delle comunità locali e della sinistra (verdi compresi). Forse perchè han capito che così si potrebbero liberare dal più inquinante, costoso e disagevole traffico su gomma.

Provate a dirlo a uno dei sedicenti ambientalisti italiani e vi aggredirà con la sua ascia di selce.

Ora... voglio solo dormire

2010-01-15T12:53:00.001+01:00

Thriller psicologico con alcuni punti in comune con Memento (la memoria, gli appunti), L’uomo senza sonno è un film inquieto e riuscito. Anderson gioca con la tensione dello spettatore e dosa con cura i tasselli del puzzle che pian piano si va a comporre, fino all’interessante finale a sorpresa. Il salto di qualità, però, arriva grazie al viso scavato, le ossa sporgenti e lo sguardo allucinato di un Christian Bale magro da far schifo e più bravo che mai, che riesce ad esprimere con ogni centimetro del proprio corpo la spirale di sofferenza fisica e psichica in cui il suo personaggio viene risucchiato. Aggiungerei anche che Aitana Sanchez-Gijon ha un viso splendido.

Gli scrittori sono bambini... Anche in tempi normali non riescono a concentrarsi sul lavoro

2010-01-09T12:38:00.002+01:00

La bella prefazione di Nuotare sott’acqua e trattenere il fiato punta dritto al cuore della questione: ciò che rende grande uno scrittore è il continuo, incessante confronto col proprio talento e con quello di chi ci ha preceduto. Lucidità e dedizione. Ecco perché questa raccolta di scritti di Scott Fitzgerald si rivela così efficace: più che di consigli veri e propri, è ricca di riflessioni e commenti sulla propria esperienza che solo in alcuni casi, per lo più indirizzati alla figlia Frances, assumono il tono di insegnamenti diretti. Non a caso la parte migliore è l’ultima, Vita di uno scrittore, dalla quale emerge il tormento della scrittura e il ruolo primario da essa giocato nella vita di Fitzgerald. Robe che la maggior parte degli scrittori odierni non sa neanche dove stiano di casa.

È un caso molto complicato, pieno di input e di output

2010-01-08T12:10:00.006+01:00

I Coen affrontano il noir a modo loro e il risultato è una parodia dell’hard boiled diventata culto, con un protagonista – the Dude/il Drugo – meritevole di idolatria. Il grande Lebowski è surreale, geniale, comico. Jeff Bridges in accappatoio e occhiali da sole è meraviglioso e il resto del cast non è da meno: dal rabbioso Goodman alla vaginale Moore, dal perverso Turturro al mollusco Seymour Hoffman. Anche Tara Reid riesce a sembrare un’attrice. Gag azzeccate, sogni psichedelici e situazioni grottesche frullate insieme da chi sa come fare cinema.

Alla fine del film vi verrà voglia di andare a giocare a bowling, sorseggiando White Russian.

Romanzo criminale

2010-01-02T11:08:00.003+01:00

Che film.

Serrato e drammatico, senza sbavature né retorica gratuita. Mostrandoci l’umanità dei membri della banda della Magliana, Placido ci rende partecipi delle loro vicissitudini senza però trasformarli in eroi; ricche di sfumature volgenti al nero, le loro storie violente si incrociano con quelle di una nazione sotto assedio, finendo trascinate in un meccanismo più grande di loro, più grande di tutti. La Storia prosegue indifferente e il passo da carnefice a vittima è brevissimo. Gli attori migliori finiscono a fare i criminali mentre tocca all’insipido e poco convincente Accorsi interpretare il commissario che dà loro la caccia. Superbi Favino e Rossi Stuart, ottima (e parecchio bella) Anna Mouglalis.

Lo Strappo di Sherlock

2009-12-27T11:36:00.003+01:00

Sherlock Holmes ha una struttura semplice, ordinaria e tutto sommato prevedibile con una trama che scorre lineare e senza grandi colpi di scena. Il film però ha molti elementi della vincente formula-Snatch: dinamismo, scene d’azione dal montaggio frenetico, ironia, esagerazioni, dialoghi brillanti e una buona colonna sonora a sottolineare il tutto. Downey Jr recita una parte che gli è congeniale ma il personaggio più interessante è il Watson fuori dagli schemi di Jude Law mentre Mark Strong funziona bene come antagonista. Rimane la sensazione che Ritchie sia un regista sopravvalutato ma quando accetta i propri limiti sa dare delle soddisfazioni.

Più divertente della Santa Messa!

2009-12-26T14:06:00.002+01:00

Siete convinti che quella di Checco Zalone, Zelig e Striscia sia satira? Bé, allora sarà il caso che vi leggiate La guerra civile fredda di Luttazzi. Il disonesto autoritarismo di Berlusconi e dei suoi sgherri, l’ipocrisia della Chiesa, la rantolante politica del PD, l’opposizione populista di Grillo e Di Pietro, il corrotto sistema mediatico, il capitalismo spietato, nessuno, con i dovuti distinguo, si salva dalle meritate frecciate. Benché a volte sia troppo didascalico e pedante Luttazzi sa argomentare con efficacia senza mai degenerare nel qualunquismo e, soprattutto, sa regalare risate feroci e ciniche. Deludenti i racconti nonsense.

Verrà un uomo vestito di azzurro, e il cielo si tingerà d’oro al suo passaggio

2009-12-24T10:40:00.003+01:00

Nausicaa della Valle del Vento è una fiaba fanta-ecologista incentrata sul rapporto con la natura e sulla pericolosa avidità umana. Tutti temi che il buon Myazaki riprenderà (meglio) in Mononoke Hime ma che già qui, nonostante la sceneggiatura elementare, sono raccontati con intensità e coinvolgimento. Merito anche della narrazione ritmata, della giusta dose di sfumature - non esistono personaggi totalmente negativi - e dei notevoli disegni, soprattutto le rappresentazioni della Foresta Tossica. Fra i doppiatori inglesi ci sono nomi del calibro di Uma Thurman, Patrick Stewart e Shia LeBeuf mentre la versione italiana, forse troppo infantile, lascia un po’ a desiderare.

Dove volevi arrivare Guy?

2009-12-23T10:46:00.004+01:00

Truffe, scacchi, crisi di identità, lotte interiori, gangster. E tanta confusione.

Questo è Revolver.

Sembra che Ritchie, credendosi Lynch, abbia voluto mischiare un po’ di Fight Club e un pizzico dei Soliti sospetti, infarcendo il tutto con criptiche allusioni cabalistiche e gratuiti dialoghi introspettivi, lasciando per strada il dinamico gangster-humor che lo ha reso celebre. Siccome il talento c’è qualche trovata interessante la si trova ma non basta per tenere in piedi questo tentativo di thriller psicologico incerto e confuso, con attori poco in parte e un finale che... boh?

Per chi è proprio di bocca buona

2009-12-21T10:52:00.002+01:00

Viene il sospetto che la stralodata Diablo Cody sia un po’ sopravvalutata come autrice di sceneggiature. Ne ha firmate due: una, quella di Juno, carina ma lontana dal capolavoro mentre l’altra, quella di Jennifer’s body, è uno dei principali motivi che rendono il film una vera schifezza: piatta e banale, insipida quando vorrebbe far ridere, involontariamente comica in tutti gli altri momenti. Un film in cui spaventi e battute sono prevedibili, Megan Fox si spoglia meno del previsto e il punto più alto è la limonata lesbo fra le due protagoniste è quanto di più inutile ci possa essere.

Cogito ergo caos

2009-12-16T16:01:00.003+01:00

Tanto più una storia è forzatamente complicata e infarcita di riferimenti pseudo-filosofici, psicologici, mitologici, religiosi e drammatico-esistenziali, tanto più è bella.

Chiamiamola Sindrome di Evangelion.

Miete vittime fra chi confonde l’incomprensibilità con la profondità.

Benché non troppo originale, Ergo Proxy ha le carte in regola per essere una serie interessante ma si perde in un intreccio di forzature che puntano alla riflessione sublime ma che generano soltanto confusione.

Il male vive in un pozzo e se vuoi combatterlo devi scendere nel fango dove vive

2009-12-07T12:13:00.002+01:00

Il bello de Le spade dei Drenai è che non è uno di quei fantasy ottimisti e consolatori dove gli eroi trionfano sempre e comunque. Certo, il tiranno viene abbattuto ma la vittoria è amara e promette future lacerazioni. L’ambientazione è cupa e realistica, i dialoghi interessanti e i personaggi, eroi in cerca di vendetta, riscatto o redenzione che nella maggior parte dei casi trovano una morte violenta, discretamente caratterizzati. Peccato però che lo stile di Gemmell sia ordinario e ripetitivo, semplice e diretto – questo sì – ma non molto curato.

Senza infamia e senza lode.

W l'Italia

2009-12-03T12:08:00.004+01:00

Gasparri sul fuori onda di Fini: "Certe cose bisognerebbe evitare non solo di dirle, ma perfino di pensarle".

Gasparri che invita a non pensare e come un muto che invita al silenzio.

Nel frattempo Silvio III ha visitato l'autocrate bielorusso Lukashenko, lodandolo per il consenso popolare e arrivando a quota tre nella classifica degli amici dittatori. A questo punto qualcuno a destra ha cominciato a sentirsi in imbarazzo.

Meglio tardi che mai.

Uomini e topi

2009-12-01T10:44:00.003+01:00

La vita quotidiana del vecchio Vladek si intreccia con i suoi racconti sulla persecuzione nazista e su Auschwitz; a far da tramite fra queste due realtà e il lettore è il figlio Art, autore di questo splendido fumetto in cui gli ebrei hanno volti da topi e i tedeschi zanne da gatti. Narrativa e meta-narrativa si alternano mentre Spiegelman racconta di suo padre e del suo passato e al tempo stesso analizza il proprio difficile rapporto con entrambi. Lo stile di Maus è un bianco e nero crudo e semplice, perfetta rappresentazione della cruda semplicità degli eventi. Toccante non solo quando scava nella tragedia ma anche quando si sofferma sulle piccole e grandi emozioni del quotidiano.

Chi ha bisogno dei supereroi?

2009-11-21T15:12:00.002+01:00

Tanto più si conosce l’universo DC, tanto più si potrà apprezzare Kingdom come, epopea supereoistica incentrata sul bisogno di supereroi e sul conflitto generazionale, meravigliosamente illustrata, ricca di trovate originali – che dire del vecchio e poco milleriano Batman? – e di citazioni bibliche. Personalmente non sono un fan né del granitico Superman né di certe “ammucchiate” di supereroi che san tanto di carnevalata; ciò non mi ha impedito di leggere con piacere questo romanzo grafico di mitologia moderna cui però manca qualcosa per essere al livello di capolavori come Watchmen o Il ritorno del Cavaliere Oscuro.

Se una notte d'inverno un viaggiatore

2009-11-14T15:48:00.002+01:00

Incipit che si rincorrono e trame lasciate in sospeso per un discorso che invece prosegue con coerenza, incentrato sul libro, su ciò che contiene e su ciò che ne rimane fuori, sul suo rapporto con l’autore e con i lettori, sulle verità che diffonde, sulle menzogne che propina. La prosa di Calvino, talvolta prolissa ma sempre efficace, esce dalla pagina, chiama in causa il lettore, balza avanti e indietro in un gioco di specchi, echi e labirinti terribilmente cerebrale. La lettura stessa diventa trama in un romanzo splendidamente elitario che è anche manuale di narrativa, un libro sui libri, il libro dei libri. C’è anche un po’ di presunzione, questo sì, ma quando si è un genio ce la si può permettere.

Cosa devo fare... per mettergli paura?

2009-11-14T12:31:00.002+01:00

Benché approfondisca l’origine del Cavaliere Oscuro, Batman – Year one dedica ampio spazio anche al commissario Gordon, appena arrivato a Gotham e costretto fin da subito a sguazzare nella sua melma. Miller sceglie un approccio introspettivo e verosimile, smascherando le debolezze del poliziotto e del vigilante e lasciando che le loro storie si sfiorino di continuo per poi allacciarsi definitivamente solo nel finale, prima che l’indiretta apparizione del Joker segni l’inizio vero e proprio della saga del Pipistrello. Notevoli i disegni di David Mazzucchelli, bella la comparsa di Catwoman, come pure le battutine sul “tizio di Metropolis”.

Fumetto da leggere, casomai non si fosse capito.

Ora... sarò un vero rocknrolla

2009-11-13T09:09:00.002+01:00

Guy Ritchie ci ha riprovato. La formula di Rocknrolla è quella che gli ha portato fortuna: mix di delinquenti vari, storie intrecciate, montaggio e colonna sonora frenetici, turpiloquio, ironia e pistole. Benché Snatch rimanga irraggiungibile il tentativo è onesto: attori azzeccati, meccanismo narrativo discretamente oliato e un colpo di scena finale che riesce a non essere prevedibile.

Finale aperto ad un possibile seguito; speriamo che il buon Ritchie non tiri troppo la corda.

Il bandito che voleva tutto. E subito

2009-11-11T11:13:00.002+01:00

Per più di due ore Depp e Bale si muovono come squali in un mare nero di cappotti, uniformi e macchine, un mare nel quale guardie e ladri diventan difficili da distinguere. La loro interpretazione è sobria, controllata – a volte verrebbe da dire sottomessa – dalla regia solida e compatta di Mann. Il risultato è un gangster movie classico e bello, che ricorda molto Miami vice nelle riprese, nei colori e in una certa freddezza stilistica. La Grande Depressione c’è ma non si vede e Dillinger, benché acclamato come un novello Robin Hood, non è altro che un bandito più carismatico e meno violento degli altri, schiavo della propria adrenalina.